Френч дизайны: Топ фото Френч маникюр лучшие идеи 2020

Белый френч (80 фото) — Тренды 2019 [ТОП-Идеи]

Если для кого-то белый френч – это вариант маникюра по офисному дресс-коду, то для других – это способ выделиться и дополнить классику трендовым дизайном, который будет смотреться легко и нежно, но в то же время стильно, подчеркивая индивидуальность и характер женщины. Опытный нейл-мастер может предложить массу способов его выполнения, учитывая форму, длину ногтей, а также желание клиентки.

Давайте разберемся, какую разновидность его выполнения выбрать и как дополнить, чтобы классика не смотрелась так скучно и однообразно.

Содержание:

Интересные особенности

Классическая строгость на ногтях давно является излюбленной у клиентов, хоть и не все мастера охотно берутся ее рисовать из-за относительной сложности выведения элементов. Ее относят к разряду универсальных техник, которые подходят как для торжественных случаев, официальных приемов, так и для повседневной носки.

Отлично подходит для коротеньких и длинных ногтей, будет уместным как на узкой ногтевой пластине, так и на широкой, но здесь более важно умение мастера правильно определить подходящую толщину улыбки и длину ее усиков, чтобы она гармонично воспринималась на «коротышах».

А вы знали, что большинство мужчин отдают предпочтение именно белому французскому маникюру на женских руках?

А все потому, что, по их мнению, так наиболее выгодно подчеркивается нежность и красота ручек, что не может не привлекать внимание и восхищать.

Большая распространенность классики связана с возможностью комбинировать ее с любым модным рисунком или мелкими деталями:

• Любые блестки, камифубики, стразы, втирки, ленты. Обычно декорируют один, максимум два ногтя, остальные оставляют в привычном виде.
• Френч в светлых цветах отлично сочетается с цветной прорисовкой. Хит этого сезона – дополнение белой классики золотом или серебром: это может быть как глиттер с мелкими частицами, так и клеящиеся ленты.
• Геометрия или растительные принты всегда уместны и разнообразны в создании запоминающегося сочетания.
• Классическая техника подразумевает использование глянцевого финиша, а в 2019 году предпочтение больше отдается матовому финишному покрытию. Но не всем оно подходит из-за излишней маркости.

Для френча лучше всего подойдет белая гель-краска, так как не каждый гель-лак имеет достаточную пигментированность для четкой прорисовки.

Однако можно подобрать и белоснежный гель-лак, который хорошо прокрашивает рабочую область в один слой.

Какая подойдет форма

Для френча подойдет абсолютно любая форма ногтей: на любой он будет смотреться стильно и уместно. Что касается трендов 2019 года, то тенденция идет к более естественной форме и длине свободного края не более 4 мм, поэтому рекомендуем присмотреться к овалу и миндалю.

Многие женщины по-прежнему выбирают классику на форму квадрат или балерина, хотя они уже не так популярны, как пару лет назад.

Новинки 2019 года

Классика универсальна и имеет огромный потенциал уникальных идей для нейл-мастера.

В текущем году можно отметить ряд важных деталей, которые помогут оставаться на плаву, не изменяя излюбленному френчу:

• Какие цвета актуальны в 2019 году? Выбирая белый, предпочтение стоит отдавать в сторону мраморных, снежных, жемчужных, теплых молочных, серебристых и лунно-белых оттенков гель-лаков и красок.
• Набирает обороты в гонке трендов сочетание в одном декоре гипюровой подложки с рисунком, выполненным в той же цветовой палитре или, наоборот, с использованием контрастных цветов. Их вплетение в линию френча освежит ноготки, но декорировать таким образом лучше не все, а только несколько пальчиков.
• Подчеркнуть индивидуальность и оставаться в тренде в этом сезоне помогут зеркальная улыбка или переход ее усиков в рамку, полностью обрамляющую ноготь.
• Все также уместна ручная роспись, при этом в тренде – мелкие цветочные принты на белом или пастельном гель-лаке.
• Еще одна фишка – выделение безымянного пальца при помощи мягкого градиента с переходом от белого цвета к пастельному или, наоборот, яркого, неонового. Актуальным остается как горизонтальный, так и вертикальный градиентный переход.
• Объединение с лунным маникюром в белых тонах – очередная новинка, которая новыми красками заиграла в этом сезоне за счет многообразия выбора светлых тонов, а также их сочетания с яркими, неоновыми цветами для расставления модных акцентов на нескольких пальчиках.
• Вновь разгорелся ажиотаж на животные принты. Комбинирование привычных нейл-идей с «зеброй» или «леопардом» – отличный способ плыть по модному течению бьюти-арта.
• Как уже упоминалось выше, хотите быть в тренде в 2019 году – попробуйте матовый финиш.

Несколько примеров:

Если у вас летом в жару сильно отекают руки, не перегружайте себя громоздким дизайном.

Аккуратного френча на нейтральной камуфлирующей базе, дополненного минималистичным рисунком, мелкими стразами или лунками будет достаточно.

Креативные сочетания

Когда хочется выглядеть женственно и утонченно, но в то же время не отставать от модных веяний нейл-арта, на помощь приходят неожиданные сочетания, которые вполне уместно соединяются в один ансамбль. Если хочется чего-то необычного, то можно дополнить френч тематическими узорами. Весной и летом в фаворитах – ягоды и фрукты.

Если в прошлом сезоне преобладали арбузы, апельсины, то сейчас это авокадо, гранат, причем не всегда в привычном представлении.

Попробуйте горячую фишку 2019 года – прорисовку на ногте большого пальца незамысловатых картин: лица людей, аниме, оживающие фрукты, герои мультфильмов и многое другое. Такое яркое пятно в сочетании с модным французом – трендовое решение на любую пору года, которое в любой момент поднимет настроение и привлечет внимание.

В 2019 году остромодной становится техника стемпинг. Мельчайшие узоры – сложная геометрия, гипюр, цветочные переплетения, надписи – все эти детали в отпечатке можно перенести одним движением с металлического трафарета штампом на ноготь, дополнив вручную декор нежно-белой улыбкой, или оставив как самостоятельный рисунок.

Еще один способ выглядеть не как все – абстракция. Идеальное решение – на белом фоне прорисовывают незамысловатые узоры или пятна в пастельных тонах, покрывают матовым топом, а сверху дополняют непринужденными полосками, нарисованными серебристым глиттером.

Весь секрет заключается в грамотном подборе подложки и цветовых пятен, которые должны гармонировать с нежной цветовой базой, хотя иногда резкий контраст имеет не менее впечатляющий результат.

Как разнообразить вечную классику

Незамысловатых способов придать нестареющей классике новое дыхание масса, главное – грамотно подобрать подходящие материалы для декора, гармонично их соединить в единую композицию, которая не будет выбиваться из общей картины, при этом станет яркой ноткой, задающей тон вашему настроению.

Из простых и быстрых нейл-дизайнов можно отметить следующие:

• Одиночные и двойные полоски.
• Вензеля.
• Цветной француз в сочетании с классическим исполнением: черно- или красно-белый, бело-синий и др.
• Незамысловатые камифубуки.
• Переливающаяся фольга, причем отлично подойдет цветная, например, русалочий хвост.

Поэкспериментируйте с линией улыбки: сделайте ее прямой, волнистой, зигзагообразной или диагональной.

Пробовали боковую прорисовку?

Она точно привлечет внимание к вашим рукам, но здесь больше важна аккуратность линий – они должны быть идеальными.

Если в одном-двух местах прорисовка получилась неидеальной, ее можно исправить, дополнив ее декором из страз, росписью в виде цветов или геометрии.

Лунный френч

Является разновидностью привычного нам френчика, но выполняется как «обратный» с улыбкой у луны.

Техника настолько разнообразна, что можно подобрать что-то интересное и для себя:

• Классический лунный.
• Двойной лунный маникюр, когда лунка рисуется цветным гель-лаком или блестками, а затем дополняется очертание контрастным колером, стразами или лентами.
• Треугольные лунки.
• Со стразами.
• Прозрачные лунки с очерченным краем или переходящие в основной цвет.

Перевернутый френч

Что мы знаем о перевернутом способе прорисовки?

Это альтернатива классике – маникюр с иной вариацией расположения контрастной зоны. Здесь улыбка находится не на торце пластины, а возле лунулы.

Кружево

Ажурные мотивы в сочетании с френчем в белых оттенках придают особой нежности и женственности. Часто эту идею используют в качестве свадебного маникюра. Для ее воплощения в жизнь мастера рисуют кружевные узоры кистью, используют технику стемпинга или наносят настоящие кусочки кружевной ткани, закрепляя их базой и топом.

Если стемпинг не поддается с первого раза, нужно проделать нехитрые манипуляции: забафить силикон на силиконовой подушечке, протереть трафарет безворсовой салфеткой, смоченной в септоциде, и очень быстрыми движениями нанести на рисунок лак, растереть его ненужной кредитной карточкой или специальным пластиковым шпателем вдоль рисунка, затем моментально отпечатать не застывший лак на штамп, а с него – в нужное место на ноготке.

Здесь главное – это скорость работы.

Со стразами

Инкрустация может быть расположена как в области лунки, так и дополнять рисунок – цветы, узоры, вензеля.

Наиболее качественными признаны стразы Сваровски – их сияние и многочисленные переливы не оставят равнодушной ни одну женщину.

Добавляем рисунки

Ежегодно мастера представляют все больше новинок и вариантов преображения эстетического француза при помощи ручной росписи.

Самые неустаревающие дизайны, которые каждый год претерпевают изменения и отлично дополняют любую классику:

• Геометрия.
• Флористика.
• Абстракция.
• Мрамор.
• Бабочки.

В топе лучших дизайнерских работ 2019 года – растекающиеся краски с серебристыми или золотистыми вкраплениями.

В моделировании сочетаний излюбленной строгости и трендовых идей также имеют место быть велюровые и зеркальные фактуры, которые воссоздаются на гладких или рельефных элементах дизайна.

Дизайн на короткие ноготки

В 2019 году клиентки все чаще просят сделать опил, убрав длину до короткой или средней – в моду входит практичность и удобство в повседневной носке. Длинные и острые формы уже давно отошли на задний план, а вот коротенький овал или квадрат со смягченными углами сейчас более востребованы.

Думаете, на «коротышах» сложно создать красивый маникюр?

Глубоко ошибаетесь, так как индивидуально подобранная форма, правильно выстроенная архитектура и идеально выведенные линии способны визуально вытянуть и придать ногтям визуально-гармоничный вид.

Мастера в подобных случаях предлагают:

• Узкую геометрическую полоску, лучше вертикальную, хотя на больших пальцах уместна и горизонтальная.
• Битое стекло с мелкими элементами.
• Камифубики.
• Фольгированные отпечатки.
• Некрупную роспись, цветы, животные мотивы (отлично подходит вертикальная «зебра» и диагональный «леопард»).
• Минималистичную инкрустацию стразами, можно поэкспериментировать с цветными камушками и сочетанием нескольких цветов.

Не перегружайте «коротыши» объемными деталями, иначе рискуете лишиться воздушности и утонченности.

Подводя итоги, можно отметить, что рассмотренный нейл-тренд – это прекрасная площадка для дополнительного декорирования, на которую можно наложить практически любую задумку.

А грамотный мастер всегда подскажет, на какой идее лучше всего остановиться.

Еще красивые варианты

Советуем посмотреть видео:

httpv://www.youtube.com/watch?v=embed/6vgUzPWUuvs

Маникюр френч с дизайном – 72 фото лучших идей для маникюра

Маникюр френч с дизайном – это вариации вечной классики, которая никогда не выйдет из моды, потому что давно и надолго полюбилась миллионам женщин. Новомодные тенденции наступившего года тяготеют к тому, что ведущие мастера нейл-арта сочетают в одном наборе множество решений, от легкого декора до объемной лепки, по желанию.

Маникюр френч 2020 с дизайном

Какой френч на ногтях с дизайном 2020 года будет находиться на пике популярности весной, летом, осенью и зимой?

1. Традиционную обворожительную улыбку по овалу ногтя никто не отменял, это особый шик и элегантность. Однако мода диктует свои условия, и всё подчиняется капризам этой переменчивой дамы. Поэтому в наступившем году нас приятно порадуют и изменения дизайна французского и лунного маникюра, где будет прослеживаться ряд новаторских тенденций. Линии френча могут быть асимметричными, абстрактными, разноцветными, форма не только общепринятая, но и конверт либо зигзаг.

2. Маникюр френч с дизайном может быть геометрическим, где улыбка прорисована четкими либо размытыми линиями, оригинальным, когда френч состоит из нескольких фигурок или нарисован ажуром, вензелями, завитушками, цветами, растительным, этно и иным орнаментом. Весной и летом весьма популярным будет разноцветное решение, акценты на одном или двух пальцах в виде разнообразных узоров, использование наклеек, надписи и стразы.

Френч с дизайном на короткие ногти

Маникюр френч с дизайном на короткие ноготки может стать эталонным выбором, если сделан аккуратно и с фантазией. Опытные мастера нейл-арта предлагают:

• изящное решение с тонкой традиционной улыбкой, дизайнерские акценты на одном пальце, который декорирован полосками, блеском и можно мелкими камушками;
• оригинальный черно-белый вариант, сочетающий в себе лунный и французский дизайн, где луна прорисована четкими геометрическими фигурами;

• маникюр френч с графическим дизайном, который соответствует трендовому минимализму и комбинирует в себе разноплановые линии белого, серого, голубого или салатного цвета на нюдовой, бежевой, кремовой, розовой или прозрачной основе;
• френч-конверт в нежных тонах с красивым и милым флористическим узором, веточкой сирени, лаванды, сакуры, орхидеи, или цветов в стиле японской росписи и в духе прованса.

Маникюр френч с дизайном на длинные ногти

Маникюр френч на длинные ногти с дизайном позволяет разгуляться полету фантазии опытных мастеров маникюрного искусства, использовать несколько рисунков в одном наборе, делать сюжетные композиции, изящную лепку и вязку, так, чтобы все элементы узора гармонично перекликались между собой. Если есть желание поэкспериментировать в духе времени и в ногу с модой, то запросто можно сделать экстравагантное решение, комбинирующее в себе стильную геометрию и

Френч на ногтях 2020 фото новинки нового сезона

Френч не является новым явлением в ногтевой индустрии. Но благодаря широкому выбору материалов и постоянно обновляющейся базы техник и идей, французский маникюр остается на пике популярности и фото новинок всегда актуальны

Редко какая девушка не попробовала хотя бы один раз покрыть ногти гелем, гель-лаком или обычным лаком для ногтей. Ухоженные руки – признак того, что девушка следит за собой. Френч на ногтях – один из наиболее простых, но в то же время утонченных дизайнов. Нейл-индустрия старательно предлагает развитие каждого направления в маникюре и покрытии ногтей. Поэтому классический френч постоянно видоизменяется и обрастает различными вариациями исполнения. Маникюр френч 2018 не стал исключением. Рассмотрим некоторые варианты дизайна ногтя в стиле френч.

Последние тренды и модные идеи сезона в дизайне французского маникюра

В 2018 году можно выделить, пожалуй, несколько отличительных характеристик ногтей самых модных обладательниц стиля «френч»:

• Изменилась мода на форму ногтя;
• Цветовая гамма расширила диапазон;
• Украшения на ноготь умело сочетают с цветом;
• Дополнительными украшениями служат модифицированные блестки, пайетки, стразы.

Актуальные цвета, рисунки на ногтях

Френч 2018 отличается от своего прародителя – стандартного маникюра с белым кончиком на ногте – широким спектром цветов. В этом сезоне модно все простое и утонченное. Если в 2014-2015 годах маникюр пестрел разноцветностью и броскостью, то в 2018 цветовое буйство улеглось, и в моду снова вошла классика во всех ее проявлениях. Это, прежде всего, связано с динамикой современной жизни. Бизнес леди после тяжелого трудового дня, имея на ногтях маникюр френч, с легкостью преобразуется в модную тусовщицу. Ее ногти подойдут к любому луку и останутся идеальным дополнением образа.

[flat_ab id=»1″]

Модная длина и форма ногтей для французского маникюра, маникюр на коротких ногтях

Форма, как и цветовая гамма, тоже слегка «успокоилась». Исчезли острые углы и умопомрачительная длина. За счет тщательно обработанной области кутикулы, даже коротенькие ногти смотрятся изящно и утонченно. Теперь на пике моды короткие ноготки с закругленными краями. Для любительниц длинных ноготков тоже нашелся выход – миндалевидная форма. Это позволит обладательницам тонкой и длинной ногтевой пластины чувствовать себя комфортно, не меняя длину.

Дизайн французского маникюра

За основу французского маникюра берется пастельный тон или, ничем не замаскированная, родная ногтевая пластина. Теперь в этом вопросе возможны вариации. Естественный бежевый цвет может быть заменен на розовый, персиковый или любой оттенок пастельного тона. А цвет кончика, равно как и украшение ногтя, на любой вкус.
[flat_ab id=»2″]
Дизайн ногтей 2018 позволяет добавлять на ноготь широкий ассортимент украшений. Это могут быть стразы (сваровски или обычные), слайд – дизайн, ручную роспись, наклейки, блестки, втирки и т.д. Вариант дизайна уже зависит от умений мастера и фантазии клиента.

На основе классического маникюра можно создать свой уникальный дизайн. Френч в этом случае выступает как база для фантазии. В классическом варианте френча – контрастный белый рисунок ложится только на самый конец ногтя, не лежащий на ногтевой пластине. Фото новинок в этом вопросе показывает, что граница нанесения цвета подвинулась. С помощью классического контраста теперь создаются геометрические рисунки на ногте, размер френча может совпадать или превышать размер базы.

В цветном варианте французского маникюра можно выделить смелые, броские цвета для более дерзких, молодых и желающих удивить – марсала, черный, пурпурный, оливковый. Эти цвета считаются необычными и яркими. Прекрасно сочетаются с украшениями и рисунками, но для этого необходимо определиться с мерой этого апгрейда на ногтях.

Рисунки в маникюре «френч»

Современные изображения на ногте могут варьироваться от примитивного геометрического узора до замысловатого рисунка. Изображения или дополнительные элементы считаются утяжеляющими факторами, поэтому рекомендуется нанесение этих отличительных черт не более, чем на 1-2 ногтя на одной руке. Иначе общий облик будет безвкусно испорчен.

Интересно! Рисунки ручной работы в современных дизайнах ногтей прекрасно сочетаются с инкрустацией стразами и более ценятся, нежели обычные наклейки или примитивный дизайн. Но будьте осторожны! Подобный акцент на ногтях допускается в строго-ограниченном количестве.

Модный френч на ногтях фото 2018 новинки, разновидности

Лунный маникюр

Лунный маникюр или улыбка на ногте. Исполняется вручную или при помощи специальной наклейки. Создается эффект «френча наоборот» — акцент делается на начало ногтя, а не на его конец. Поэтому место в районе кутикулы должно быть обработано наиболее тщательно, а покрытие должно быть выполнено максимально близко к основанию. Эту технику френча на ногтях фото называют «покрытие под кутикулу».

Градиентный френч (омбре)

Градиентный френч или френч с эффектом перехода цвета – уникальный, новейший способ покрытия ногтя за счет перехода одного цвета в другой. Техника такого маникюра наиболее сложная, этому направлению посвящены специальные мастер – классы у специалистов.

[flat_ab id=»1″]

Миллениум-френч

В технике «миллениум френч» роль лака заменяют блестки. Они наносятся на всю площадь, предназначенную для выделенного френча, и становятся выразительным элементом ногтей, привлекающим внимание.

Твист-френч

Твист-френч добавляет страстных леопардовых принтов на любой выбранный тон френча. Хорошо сочетается с рисунками, излишними будут стразы, а вот немного блесток для украшения леопардовой или тигриной расцветки не помешает.

[flat_ab id=»2″]

Свадебный френч

Это классика образа невесты. Нежный, утонченный френч не покидает индустрию свадебной моды. При желании невеста дополняет образ яркими элементами или дополнительными, но в основном все-таки остается традиция классического френча. Среди ассортимента ногти 2018 модные идеи сезона свадебный маникюр представлен в широком ассортименте форм и цветов.

Голливудский френч

Уникален своей индивидуальной формой. Линия, по которой проходит контрастный цвет, может быть искажена или скошена. Исходя из названия можно прибавить эпотажность украшения – это яркие, запоминающиеся ногти.

Модные украшения ногтей-френч

Среди самых модных элементов украшения, помимо страз и блесток, можно назвать еще несколько:

• Скотч-лента;
• Полоски;
• Нарисованные точки, черточки, другие геометрические малые формы;
• Комифибуки.

[flat_ab id=»1″]

Гель-лак для френча

Твердый, непроницаемый акрил сменил сначала гель для ногтей, а после – гель-лак. Материал более мягкий, чем гель, жидкой консистенции, напоминающий обычный гель для ногтей. Чтобы гель-лак затвердел на ногте, необходимо дополнительное оборудование – ультрофиолетовая или LED – лампа небольшой мощности. Для защиты ногтя в этой технике необходимо использовать базу и топ.

Интересно! Ногти, на которых постоянно находится гель или гель-лак более устойчивы к внешним повреждениям, быстрее растут и не слоятся. При использовании био-геля, ногтевая пластина еще и получает полезные вещества.

По всем прогнозам френч не покинет лидирующих позиций в нейл-индустрии еще долгое время. Уникальность форм, видов и расцветок позволяет использовать его по любому случаю. Даже длительная носка (под гель-лаком) не надоедает. Ассортимент украшений и разновидность исполнения позволяет каждый раз создавать свой, особенный маникюр на все случаи жизни.

1. 5
2. 4
3. 3
4. 2
5. 1

(6 голосов, в среднем: 5 из 5)
style40plus.ru

Что такое французский маникюр, откуда он появился и самые модные фото френча на осень 2020

Изобретателем френча является Джеф Пинк, основатель и президент компании ORLY (США). В 1976 году к Пинку обратился один из голливудских режиссеров с просьбой придумать какой-нибудь универсальный вариант покрытия ногтей, чтобы актрисам не приходилось переделывать маникюр под каждый эпизод съемок.  

Десяток бессонных ночей спустя Пинк предложил простую до гениальности идею: естественный розовый цвет ногтевого ложа и белый свободный край. То самое простое и стильное решение, в котором так нуждался мир моды и кино.

Почему все-таки «французский»?

Первоначально творение Пинка называлось Natural Nail. Затем Джефа, как признанного законодателя ногтевой моды, пригласили делать маникюр моделям-участницам Недели высокой моды в Париже. Воплотив свое изобретение на руках манекенщиц и получив восторженные отзывы, Пинк вернулся в Лос-Анджелес.

А универсальный дизайн автора продолжил жить уже собственной жизнью: клиентки начинают просить у мастеров ноготки «по последней французской моде». Джеф Пинк допустил ошибку и не запатентовал изобретение, и название «французский маникюр» прижилось как официальное. 

Как усовершенствовать культовый французский дизайн: Летний маникюр: как разнообразить френч? 

Френч 2020

Посмотреть эту публикацию в Instagram

Публикация от ОЛЬГА ДЕМИДЕНКО (@sd_nail_by_demidenkoolya) 4 Июн 2020 в 6:54 PDT

Канонический френч по-прежнему нежно любим всеми, допустим в самом жестком дресс-коде, выглядит всегда дорого и элегантно. А если классика надоела? Присмотритесь к новым идеям в стиле френч. Например, легкий и молодежный вариант френча — разноцветные улыбки.

Еще больше ярких идей в этой подборке: Солнышко в руках: варианты маникюра для лета 2020, которые поднимут настроение.

Посмотреть эту публикацию в Instagram

Публикация от ВСЕ ВИДЫ ФРЕНЧА (@frenchmanic) 5 Июл 2020 в 9:10 PDT

Геометрические элементы на улыбке классической формы — стильно и довольно авангардно.

Чем еще хорош этот маникюр, так это тем, что при отрастании он все равно будет выглядеть аккуратно. Тут мы собрали еще больше подобных дизайнов: 7 идей красивого маникюра, который можно носить неделями.

Посмотреть эту публикацию в Instagram

Публикация от ВСЕ ВИДЫ ФРЕНЧА (@frenchmanic) 7 Мар 2020 в 10:46 PST

Улыбка может отойти от классической формы: не повторять естественную линию, а превратиться, например, в треугольник или занимать лишь фрагмент свободного края.

Такой маникюр всегда уместен, как и этот: Маникюр как у Жанны Бадоевой: универсально и всегда в тренде.

Посмотреть эту публикацию в Instagram

Публикация от ВСЕ ВИДЫ ФРЕНЧА (@frenchmanic) 18 Ноя 2019 в 3:09 PST

Наконец, линия френча может быть прозрачной, а свободный край и ногтевое ложе — прокрашенными. Как вам такой вариант?

Гениальность идеи френча — в самой его структуре. Она легко наполняется любым содержанием, которое вам по душе: классическим или креативным. И если вы давненько его не делали, повод попросить что-то этакое у мастера! Не знаете, что именно? Посмотрите наш гайд: Маникюр по форме ногтей: выбираем свой идеальный дизайн.

Дизайн ногтей френч, обзорная статья видов и вариаций

Классический французский маникюр, пожалуй, самый популярный среди всего разнообразия видов нейл-арта. Его популярность легко объяснима – френч с традиционной белой улыбкой универсален и подходит для всех случаем. Такой вид маникюра смотрится уместно и в повседневной жизни, и на торжественных мероприятиях. Классический френч на ногтях – это признак хорошего вкуса и элегантности.

Как появился французский маникюр

Не удивительно, что, несмотря на свой длинный век, френч всегда остается в моде. Этот популярный маникюр появился еще в 1976 году, его создателем был основатель известной компании ORLY и назывался он «Natural Look». Французское название этого маникюра получил после показа мод в в Париже, где он очень понравился роскошной публике. С тех пор «French manicure» не теряет популярности.

Сегодня френч – это уже отдельная группа маникюра с разнообразными видами. Именно по тому, как мастер делает френч, судят о его квалификации. Мастера маникюра считают это самым «сложным» из всех видов маникюра.

Виды френча

Классический белый френч. Он выглядит очень элегантно и спокойно. Ногтевую пластину покрывают спокойным полупрозрачным розовым, бежевым или персиковым лаками, а кончик красят белым цветом. Такой вид френча делают на не очень длинных ногтях.

Цветной френч. Очень популярный и оригинальный вид френча. В качестве базового цвета можно использовать любой понравившийся оттенок . Как правила, цвет базы и кончика делают однотонными. Красиво сочетаются светлый цвет базы и темный кончика. Например, светло-розовый с вишневым или красным, светло-бежевый с золотисным или бронзовым кончиком. Популярностью пользуются также светло-розовый цвет с черным. Можно фантазировать и подбирать любые сочетания.

Фан-френч. Этот вид френча исполняется наоборот. Основу делают темной, а кончик ногтя – светлым. Такой «веселый френч» выглядит очень ярко и нескучно.

Витражный френч. Это особый вид френча, для создания которого нужно большое мастерство. Витражный френч можно сделать только с помощью наращивания. Кончик ногтя делают прозрачным цветным гелем или акрилом, создавая особый эффект витража. Такие ногти также украшают слюдой или блестками. Витражный френч выглядит очень воздушно и легко. Этот вид френча более нейтральный. Поэтому если классический френч надоел, витражный отлично подойдет для повседневной жизни.

Американский френч. Практичный и повседневный вид френча. Для американского френча линию улыбки делают размытой и плавно переходящей на цвет базы. Такой маникюр выглядит нежно и ненавязчиво, к тому же его легче сделать.

Миллениум-френч. Очень роскошный и праздничный вид френча. Такой френч украшают разнообразными блестками и сверкающими напылениями. Выделяют блестками только кончик ногтя или делают плавный переход с кончика на ногтевое ложе. Миллениум-френч идеально подходит для свадьбы или другого торжества.

Голливудский френч. Совершенно необычный вид. Чтобы сделать такой френч, ногтевую пластину полностью покрывают бесцветным или полупрозрачным телесного цвета лаком. На подсохнувшую основу наносят лак контрастного цвета, при этом лунки у основы ногтя оставляют не прокрашеными.

Арт-френч. Этот вид потому и называется «арт-френч», что его можно делать в любых вариациях. Основный мотив такого вида – это наличие множества украшений. Чаще всего используют фольгу, стразы, слюду, сухоцветы и т.п.

Стилизованный френч. Этот вид френча также отличается свободным дизайном исполнения. Основное правила в исполнении этого вида содержится в том, что все рисунки и роспись должны располагаться только на кончике ногтя. Линию улыбки могут рисовать как правильной и четкой формы, так и плавной. Часто рисунок скрывает линию улыбки.

 Фантазийный френч

Существует очень много видов френча, но все они очень условны, ведь маникюр – это своего рода творчество, которое не любит строгих правил. Можно с удовольствием комбинировать разные виды френча. Немного пофантазировав, можно создать именно даже свой вид! Поэтому не нужно ограничиваться существующими видами, они только должны помочь сориентировать в многообразии форм френча.

Правила красивого френча

Любой вид френча может сделать ноготки красивее, а руки утонченнее. Нужно только соблюдать некоторые правила. Рисуя улыбку, нужно следить, чтоб не было свободного пространства между свободным кончиком и ногтевым ложем. Так как это выглядит неаккуратно. На коротких ногтях рисуют тонкую или среднею улыбку. На длинных – размер улыбки зависит от желания и особенностей дизайна. С помощью улыбки, можно улучшить форму ногтя – ее можно рисовать округлой с длинными «усиками» или же более прямой.

Большое разнообразие вариантов французского маникюра позволяет всегда выглядеть ухожено и при этом не заскучать от однообразия. Хорошо исполненный френч всегда будет украшением рук и завершением образа любой женщины.

Оцените статью:

Поделитесь с друзьями!

красивый дизайн, фото, новинки 2020

Красивый френч на острых ногтях – уникальный тренд нового сезона. И это вовсе не удивительно, ведь знаменитые на весь мир дизайнеры широко использовали этот оригинальный прием на своих последних показах.

Особенности маникюра френч на острые ногти

Французский маникюр на заостренных ногтях однозначно не для всех – кому-то такой дизайн покажется слишком эпатажным, вызывающим и, конечно же, совсем непрактичным. Но в жизни каждой девушки случаются ситуации, когда на первое место выходит желание воплотить необычную задумку и создать по-настоящему запоминающийся образ. В этом случае классический френч с маникюром небанальной формы придется весьма кстати!

Френч на острых коротких ногтях

При создании острого френча на короткой ногтевой пластине стоит вспомнить о маникюре в популярном сегодня стиле минимализм. С одной стороны, такое сочетание может показаться слишком противоречивым, но на самом деле выглядит оно довольно изысканно и элегантно.

Даже в минималистическом французском дизайне найдется место интересным рисункам и декоративным украшениям, главное условие – они должны быть легкими и ненавязчивыми. Приветствуются следующие варианты оформления:

• тонкие полоски;
• лаконичные геометрические узоры;
• мелкий горошек;
• искусно выполненные завитки.

Важно! Такой маникюр точно не украсит худые длинные или, наоборот, слишком короткие и пухлые пальчики.

Французский маникюр на длинные острые ногти

Привычный французский дизайн, выполненный на длинных заостренных ногтях с использованием ярких насыщенных оттенков, идеально подойдет для вечернего выхода или зажигательных танцев в ночном клубе.

В данном случае его форма может немного варьироваться: ухоженные руки стоит украсить острыми «пиками» и «стилетами», сделать маникюр миндалевидным или овальным. Линию улыбки при этом также рисуют закругленной, асимметричной, заостренной или фигурной. Удачно подобранная длина и форма поможет скрыть дефекты ногтевой пластины, визуально сделает пальцы более тонкими и изящными.

Замечание! Придать маникюру желаемую длину несложно при помощи гелевого наращивания.

Сочетание цветов и декора во френче на заостренных ногтях

Классический нюдовый или стильный цветной французский маникюр на заостренных ноготках отлично сочетается с декоративными бантиками, объемными вязаными узорами и тематическими принтами. Оригинальный ход – использовать для нейл-арта яркие, контрастные лаки или украсить отдельные пальчики эксклюзивными авторскими рисунками.

Идеи дизайна французского маникюра на острых ногтях

Как и в других случаях, красивый френч на острых ногтях можно дополнить стразами, блестками, лепкой и оригинальными узорами. Более нежные, мягкие вариации французского маникюра подойдут для романтического свидания – они идеально дополнят легкую блузку, летящий сарафан или роскошное платье в пол.

Совет! Используя в декоре ногтей острой формы блестки и стразы, важно придерживаться золотой середины, иначе маникюр получится слишком экстравагантным и вызывающим.

Яркий френч на острых ногтях

Для создания по-настоящему ярких дизайнов часто используют лаки сумасшедших неоновых расцветок. Тем же, кто пока не готов к столь решительным экспериментам, можно выбрать алое, бирюзовое, ярко-голубое, солнечно-желтое или лиловое покрытие.

Матовый френч на острых ногтях

Одним из самых горячих трендов в френч-дизайне острых ногтей остается матовый маникюр, который удачно дополнит и вечерний, и повседневный лук. Стильный матовый нейл-арт может быть однотонным или соединять более двух оттенков, он роскошно смотрится в стиле минимализм, его можно украсить стразами и интересными рисунками.

Френч на острые ногти с рисунком

Столь необычно оформленные пальчики стоит украсить французским маникюром с красочными экзотическими цветами и растительными узорами либо лаконичными геометрическими орнаментами. Чтобы дизайн не выглядел перегружено, достаточно выделить рисунком всего один пальчик.

Розовый френч на острых ногтях

Моду на заостренные ноготки ввели американки в первые несколько лет после окончания Второй мировой войны и сегодня модницы во всем мире с удовольствием делают французский маникюр как в нежно-пастельных, так и ярких, насыщенных оттенках розового. В этом цвете привычный дизайн смотрится очень дерзко и сексуально!

Белый френч на острые ногти

Особое место на модных фото 2020 года займет белый френч на острых ногтях: без него трудно представить облик современной невесты, но и в повседневной жизни этому дизайну, безусловно, найдется применение. Белый лак хорошо сочетается с другими техниками, его прекрасно дополнят сверкающие камушки и тончайшие кружевные узоры.

Новинки 2020 года в дизайне френч на острые ногти

Новые тренды и профессионализм мастера помогут создать не только красивый, ультрамодный в наступающем 2020 году, но и удобный френч-дизайн на острые ногти. В следующем сезоне на смену очень длинным коготкам придет более сдержанный маникюр лишь слегка заостренной формы.

Сегодня в сфере нейл-дизайна не существует строгих ограничений, а значит в новом году красивому оформлению ноготков-стилетов стоит уделить особое внимание. В зависимости от личных предпочтений, для стильного французского маникюра можно выбрать привычный светло-розовый, бежевый, молочный или более насыщенный, яркий лак. Неординарно на острых длинных ногтях будет смотреться френч алого, синего или изумрудного цвета, любительницам смелых экспериментов стоит обратить внимание на темно-серый, черный, бордовый и фиолетовый.

Фото френча на острых ногтях

Острый французский маникюр, показанный на фото, способен сломать любые стереотипы, сопровождающие этот, давно ставший классикой, дизайн. Шикарный гламурный или сдержанный и лаконичный, роскошный блестящий или загадочный матовый нейл-арт привлекает изысканностью, граничащей с экстравагантностью – опираясь на представленные идеи вовсе не сложно создать собственный, уникальный шедевр.

Заключение

Привычный френч на острых ногтях смотрится невероятно эффектно – украшенный при помощи блесток, страз, пайеток, узоров и рисунков, фольги, лепки и стемпинга, он станет превосходным дополнением вечернего образа. Этот дизайн гарантированно понравится смелым, уверенным в себе женщинам, которые обожают находиться в центре внимания.

История графического дизайна во Франции

Французский дизайн находится на переднем крае творчества с момента появления потрясающих плакатов Анри де Тулуз-Лотрека (1864–1901) и его современника Жюля Шере (1836–1932). Благодаря своим захватывающим типографиям и визуальным композициям, именно они показали миру, насколько художественная красота и вдохновляющая гармония могут заключаться в плакате. Еще в 1898 году Андре Меллерио в своем влиятельном тексте La Lithographie en Couleurs отметил, что:

Нам кажется, что цветная литография существовала раньше в тех условиях, в которых мы видели ее цветение, и, следовательно, это отличительная художественная форма нашего времени.. . Современный принт больше не был факсимильным воспроизведением любой оригинальной работы в цвете, а был личным замыслом, чем-то реализованным ради самого себя. . . Этот принцип, победно примененный Шере к плакату, характер и функции которого сделали его особенным, должен был быть применен другими к печати, характеристики которой во многом различались. Но право на существование цветной печати напрямую связано с принципом, который мы считаем аксиомой: любой метод или процесс, который художник разрабатывает для самовыражения, является законным именно по этой причине.

Меллерио, таким образом, сочувственно обосновал легитимность плаката попыткой художника самовыражаться, неотъемлемой чертой, которая отличает французскую школу графического дизайна. Он также признал жизненно важную роль печатника в помощи художнику в достижении этого самовыражения и создании аутентичного плаката как проявления свободного вдохновения художника. Он писал:

Это тесное и столь необходимое сотрудничество между художником и типографом могло быть достигнуто путем предложения и согласия.Таким образом, они преодолеют трудности ремесла, в то же время, когда освобожденное вдохновение заявит о себе более прямо и интенсивно »

1880-е годы были золотыми годами французского плаката , которые начались с закона «défense d’afficher» , или «размещение запрещенных», закона от 29 июля 1881 г., принятого французским правительством, разрешившего размещение рекламы на мили и мили широких голых каменных стен Парижа.Фактически, с XVII века во Франции был запрет на размещение банкнот без разрешения. В 1761 году по приказу Людовика XV вывески во Франции были прикреплены к стенам вплотную к стенам, что считается основной причиной изобретения рекламных щитов.

В 1869 г. плакаты Шере определили основные черты современной рекламы. Интересно отметить, что в интервью с английским критиком Чарльзом Хайаттом Черет раскрыл свой вкус к художественным качествам, когда заявил, что для него плакаты не обязательно были хорошей формой рекламы, но из них получались отличные фрески.Эту заботу об эстетических критериях можно обнаружить почти во всех работах французских отцов-основателей графического дизайна. Однако плакаты не должны были быть политическими. В июльском законе 1881 года французское правительство безоговорочно признало связь между плакатами и революцией. Закон, принятый через десять лет после Парижской коммуны 1871 года, отразил тот же антиреволюционный городской политический дух, что и архитектурная реструктуризация Парижа бароном Османом. Осман создал для Парижа большие бульвары , улицы, слишком широкие для баррикад.Точно так же третья глава Loi du 29 Juillet 1881 касается вывешивания плакатов на стенах, и это до сих пор остается одним из самых заметных законов во Франции. Текст следующий;

«Dans chaque commune, le maire, désignera, par arrêté, les lieux exclusive destinés à recvoir les affiches des lois et autres actes de l’autorité publique»

(В каждом городе мэр определит своим указом места который будет использоваться исключительно для демонстрации документов с описанием законов и других актов государственной власти), поскольку закон пытается запретить наклеивание политических плакатов на стены Парижа.Это связано с тем, что в более революционные времена государственным властям необходимо было обеспечить, чтобы законы были четко видны и понятны людям, а также обеспечить, чтобы неофициальные сообщения оставались за пределами городских стен. Также считалось правонарушением повреждение таких официально размещенных текстов, и за разрыв одного сегодня по-прежнему может взиматься крупный штраф.

Следовательно, закон подтолкнул плакатное искусство к декоративному стили, которым будет проще получить разрешение на отображение.Художники-графики использовали недавно реконструированные улицы Парижа Наполеона III в качестве выставочной галереи для своего декоративного искусства, а писатели и искусствоведы, такие как Жорис-Карл Гюисманс, Эдмон де Гонкур и другие, писали о художественных качествах этих работ. Примечательно, что первые документальные свидетельства современной французской рекламы появились в 1715 году для складных зонтиков и в 1800 году для Bonne Bierre de Mars, иллюстрации молодых пар, пьющих в гостинице.

L’Art Nouveau, Bing и La Maison Moderne

В течение девятнадцатого века Париж, который стал центром мощной национальной школы живописи и скульптуры, достигшей высшей точки в ослепительных нововведениях импрессионизма и постимпрессионизма, также начал развивать мощную и разностороннюю французскую школу графического дизайна, которой руководил эксперименты в других областях изобразительного искусства, создающие потрясающую петлю положительной обратной связи.В результате в первые годы двадцатого века Париж стал магнитом для художников со всего мира и центром основных инноваций современного искусства, особенно фовизма, кубизма, абстрактного искусства и сюрреализма, которые обеспечили прочную основу. для экспериментов в дизайне визуальной коммуникации. Объединив крупнейших международных и национальных художников из различных областей визуального искусства, Париж создал благоприятную атмосферу для творчества и художественного взаимодействия. В Париже уже родился стиль Art Nouveau (1895-1910), который был первым выражением французской школы графического дизайна, характеризующейся натуралистическими чувственными линиями, вытекающими из растительных кривых с мягкими листьями, тонким светом, женственными фигурами с вьющимися волосами. , плавные платья и позы, извилистые волны и мимолетный дым.Конечно, Art Nouveau — это контролируемые линии, геометрические детали, новые красочные формы, в основе которых лежит стиль французского рококо.

Рококо также было французским движением в искусстве начала 18 века, которое берет свое начало с года эпохи барокко года. С наступлением эпохи Просвещения, года — времени прославления новых рациональных представлений о человеческом существовании, искусство рококо стало визуальным представлением оптимизма просвещения и торжества разума.Аристократическое рококо размышляло о тщетной жизни привилегированной элиты с чувством юмора, не уважая ни церковь, ни государство. Искусство рококо было антистилем, отвергающим величие барокко и стремящимся просто угодить вкусу. После десятилетий религиозной розни и бесконечных проповедей чистая эстетика рококо стала большим облегчением для усталых зрителей. Фактически, можно смело утверждать, что Art Nouveau был революционным переоснащением рококо для новой эры рекламы.

Зигфрид Бинг (1838–1905), француз по рождению в Германии, основавший La Maison de l’Art Nouveau в Париже в 1895 году, сыграл важную роль в рождении Art Nouveau . Собственно, именно его галерея дала название новому стилю. Бинг, позже известный как Самуэль Бинг, был коллекционером японского искусства, чья галерея La Maison Bing специализировалась на декоративном искусстве. Он начал выставлять авангардные работы современных художников, таких как Генри Клеменс Ван Де Велде (1863-1957), бельгийский архитектор и педагог, который вместе со своим соотечественником Виктором Ортой считается основоположником стиля модерн.Анри ван де Вельде спроектировал мебель и интерьеры для галерей Самуэля Бинга в 1896 году. Позже, будучи учителем в Германии, Ван де Вельде внес свой самый значительный вклад в современный дизайн после своей выставки меблированных интерьеров в Дрездене в 1897 году. В 1902 году он стал художественный советник великого герцога Саксен-Веймарского в Веймаре, где заинтересовался творчеством Уильяма Морриса и Движением искусств и ремесел и реорганизовал Kunstgewerbeschule, Школу искусств и ремесел и Академию изящных искусств. art, которые позже, в 1919 году, были объединены под руководством Вальтера Гропиуса в Баухаус.

Через четыре года после успешного запуска Bing L’Art Nouveau Bing, Paris привлек немецкого конкурента по имени Юлиус Мейер-Грефе (1867-1935), который открыл La Maison Moderne, еще одну галерею, способствующую развитию французской школы. , где выставлялись работы таких графических дизайнеров, как Мануэль Орази и Морис Биэ.Майер-Граафе основал периодическое издание Dekorative Kunst (издавалось в Мюнхене, 1897–1929) и сопутствующее французское издание L’Art décoratif (1898–1914), поскольку Бинг издал Le Japon artistique с 1888 по 1891 год. Грефе был соучредителем и первым художественным редактором журнала Pan в 1895 году, который познакомил Германию с ар-нуво, но вскоре был уволен из-за его предполагаемого пренебрежения к немецким художникам. La Maison Moderne закрылась в 1903 году, и Майер-Графе вернулся в Берлин, где опубликовал Entwickelungsgeschichte der modernen Kunst (История развития современного искусства, 1904 г., которая была переведена и опубликована как «Современное искусство», 1908 г.).После прихода к власти национал-социалистов в Германии в начале 1930-х годов Майер-Грефе был осужден за поддержку декадентского искусства и отправлен в ссылку во Францию. Он умер в Веве, Швейцария, в 1935 году.

Мануэль Орази (1860-1934), литограф итальянского происхождения, известный своими работами в газетах, обложках книг, оперных плакатах и ​​обложках нот, был еще одним важным международным графическим дизайнером, который проживал во Франции между 1883 и 1884 годами и участвовал в воспитании французской школы.В 1895 году Орази в сотрудничестве с автором Остином Де Крозом создал провокационный календарь Calendrier Magique; напечатано тиражом 777 экземпляров в ознаменование волшебства в наступающем 1896 году. Он также создал украшения для знаменитого магазина Мейер-Грефе, который стал центром дизайна: плакат Орази для La Maison Moderne был элегантной и мощной рекламой для модных аксессуаров того периода.

Морис Биэ (1875–1926) был еще одним графическим дизайнером La Maison Moderne, чьи упрощенные плоские раскрашенные плакаты с использованием элегантных шрифтов были изысканно сбалансированными и новаторскими. Морис Биэ, сын богатого государственного нотариуса, также проектировал стекло, керамику и даже фрески для галереи Зигфрида Бинга l’Art Nouveau и La Maison Moderne Мейера-Грефе. Биэ прославился активной ночной жизнью на Монмартре. В 1911 году он женился на исполнительнице Джейн Аврил, которая стала героем нескольких плакатов Тулуз-Лотрека, в обреченном, недолговечном союзе. На протяжении своей карьеры Биэ часто путешествовал, часто спасаясь от безнадежных долгов. Он был игроком, пьяницей и заядлым курильщиком. Он не разговаривал со своей семьей и, как известно, исчезал на несколько недель.

Морис Биаис, Морис Биа

Джордж Де Фер (1868-1943) был французским дизайнером из Бельгии, настоящее имя которого было Джордж Ван Слуйтерс. Он создавал картины, прекрасную мебель, фарфор и керамику, художественное стекло, стеклянные окна, ковровые покрытия, столовое серебро и ювелирные изделия, а также многие известные вещи. графика и плакаты.Он также был декоратором и дизайнером интерьеров. Де Фер начал свою карьеру с ученичества в книжной торговле в Гааге, где он познакомился с работами Пьера Сесиль Пюви де Шаванна, а в 1890 году он переехал в Париж, чтобы стать учеником Жюля Шере, и под ним разработал плакаты для Салон Des Cent, Loie Fuler и Thermes Liegois. Его картины выставлялись в Societé Nationale в 1894 году, в Salon de la Rose Croix 1893 и 1894 годов и в Мюнхенском сецессионе 1896 года. В то время он также занимался дизайном интерьеров и занимал должность «профессора декоративного искусства» в Ecole des Beaux-Arts.

De Feure быстро стал одним из лучших дизайнеров Bing. Бинг призвал Де Фуре расширить свои таланты во всех областях искусства и дизайна. Хотя он никогда не подписывал эксклюзивного контракта с Бингом, его работы были представлены в галерее с 1895 года до ее закрытия в 1904 году, за год до смерти Бинга. В 1902 году его работы были представлены на первом Salon Des Industries Du Mobilier в Гран-Пале в Париже. Перед началом Первой мировой войны он переехал в Англию, где работал в основном сценографом.
В 1928 году он вернулся в Париж, где был назначен профессором Высшей школы изящных искусств (Ecole Nationale Superieure Des Beaux-Arts).Он продолжал работать в период ар-деко.

В Париже Французская школа графического дизайна с ее новаторскими шрифтами оказывала влияние на архитекторов; как Гектор Гимар (1867-1942), который экспериментировал с новыми композициями и эстетическими взаимодействиями в своих проектах зданий и мебели, и художники, такие как Пьер Боннар (1867-1947), который также был успешным рисовальщиком, фотографом, гравером, иллюстратором и дизайнером интерьеров .Боннар, когда-то описанный как «très japonard», на особенно повлиял на плоские плоскости, асимметричные композиции и декоративные узоры японских гравюр. Его дизайны включали новую выразительную обработку типографики, которая с самого начала была задумана как неотъемлемый элемент композиции и полностью гармонировала с иллюстрацией. Они далеки от более ранних литографических прототипов, в которых буквенные формы, кажется, были добавлены в последнюю очередь.

Реклама и Леонетто Каппьелло

В 1897 году в Париж приехал Леонетто Каппиелло, итальянский художник и карикатурист, которого считают «отцом рекламы».В 1932 году он писал:

.
Думаю, это было в апреле или мае 1897 года, когда я прибыл в Париж в тот день, когда пожар на благотворительном базаре привел в ужас весь город. На улицах лица испугались вопрошающим взглядом, и это разительно контрастировало с великолепием этого светлого весеннего дня.

Я приехал на месяц как турист, как любитель, пробыл там тридцать пять лет. Мне кажется, этого достаточно, чтобы сказать, какое влияние на меня оказал Пэрис. Хотя они проявляют некоторую скромность, чтобы выразить глубокие и сокровенные чувства, я признаюсь, как вы этого хотите, что я люблю Францию, как любовник любит свою возлюбленную.Я люблю его за его красоту, за его ум, за его гармонию и щедрость. Я люблю его за любовь к искусству. Я не думаю, что есть страна в мире, где артиста приветствуют, ценят и поощряют, как во Франции — и, написав эти несколько строк, я вспоминаю одно из самых мягких, самых трогательных воспоминаний в моей жизни: любящий прием это я получил от всех друзей, которые были самыми известными артистами того времени, и дружбы, которая связала нас с тех пор.

Леонетто Каппиелло (1875-1942) родился в Ливорно, Италия.Он был художником-самоучкой, и его самые ранние известные работы относятся к 1889 году. В 1896 году он уже опубликовал в Ливорно альбом карикатур под названием «Lanterna Magica» , и продолжал работать как иллюстратор и дизайнер плакатов. развивать свою артистическую карьеру в Париже. Как художник-карикатурист Леонетто Каппиелло работал с многочисленными французскими журналами, добившись большого успеха, в том числе благодаря его чрезвычайно новаторскому языку. С 1912 года он также стал заниматься дизайном интерьеров, некоторые из которых до сих пор можно увидеть в разных залах Galeries Lafayette в Париже и Villa Dreyfus в Сен-Жермен-ан-Лэ.В этот период Каппиелло был одним из самых успешных художников и дизайнеров, а также хорошо известен как дизайнер рекламных плакатов.

Стиль Cappiello с его темным, часто черным фоном и одним жирным изображением был оригинальным и новым. Его карикатуристский подход дал сильное понимание человеческой природы, и он использовал его как мощное средство визуальной коммуникации в своих рекламных плакатах.

Жан д’Илен родился в 1886 году в Париже, Жан Беген, в 1912 году он принял торговую марку д’Илен.После окончания школы им. Бернара Палисси в Пуату-Шаранте по специальности «Изящные искусства» он начал работать у ювелира на улице Рю-де-ла-Пэ, но с началом Первой мировой войны он вступил в 279-й пехотный полк и был назначен на отделение картографии армия.

После того, как в 1918 году Германия и союзники подписали перемирие, завершившее четырехлетнюю войну, д’Илен присоединился к типографии Пьера Векассона в 1919 году и начал свою карьеру в качестве дизайнера плакатов. По словам Джека Реннерта, в «Плакатах Леонетто Каппиелло», Нью-Йорк, 2004 г., Д’Илен сменил Каппьелло на посту популярного домашнего художника в типографии Пьера Веркассона в Париже в 1922 году.Как и у Каппьелло, его плакаты были элегантно оформлены, демонстрируя уверенное художественное чутье с необузданной яркостью. Он в полной мере использовал прочные, простые формы шрифтов с засечками в своих плакатах, что позволило сжать и расширить символы, чтобы получить хорошо сбалансированные и хорошо интегрированные современные плакаты. Его плакаты пользовались огромным успехом как во Франции, так и в Англии.

Умер преждевременно в 1938 году.

Великая война и французские агитационные плакаты

Франция инициировала свой план Первой мировой войны за несколько лет до этого события — через злополучный План XVII — и, таким образом, провела государственную политику призыва в армию.Тем не менее, когда разразилась война, французское правительство незамедлительно объявило о привлечении большего числа людей, одновременно выступая за справедливость французского дела.

Французские военные плакаты в значительной степени опирались на символическое представление традиционных ценностей, выраженных в девизе республик: свобода, равенство и братство, и в меньшей степени на концепциях чести или империи. Плакаты, как правило, вызывали чувство товарищества между союзниками, часто изображая солдат, представляющих Францию, Великобританию и США.С. коллективно побеждает символическое изображение немецких войск, обычно черного орла. Свобода также играет большую роль в пропагандистских плакатах. Поскольку свобода олицетворялась во французской культуре после революции, неудивительно, что
ее изображение часто использовалось для его убедительности на французских пропагандистских плакатах. Изображения Свободы, напоминающие греческую богиню, увенчанные лаврами, изобилуют на плакатах с изображениями других союзных народов и без них.

Межвоенный конструктивизм (1919–39) и «Великолепная четверка французского графического дизайна»

В бурные межвоенные годы на передний план вышло новое поколение французских графических дизайнеров, среди которых были «Великолепная четверка французского графического дизайна»; Кассандр, Колин, Карлу и Лупо, которые изменили определение французской школы графического дизайна, разработав Жанр французского конструктивизма, на который в основном повлиял кубизм.

A.M. Кассандра (1901-1968), графический дизайнер, художник и сценограф, родился Адольфом Жаном Эдуардом-Мари Муроном в Харькове, Украина. В возрасте четырнадцати лет Кассандр и его семья проживали в Париже, где после непродолжительного посещения Ecole des Beaux-Arts в 1918 году он поступил в студию Люсьена Симона, в Académie de la Grande Chaumière и в . Académie Julian . В 1920-е годы Кассандр присоединился к авангардным кругам Роберта Делоне, Фернана Леже, поэта Гийома Аполлинера и композитора Эрика Сати и заработал репутацию дизайнера смелых, строго геометрических плакатов в стиле ар-деко.

Его первым заметным успехом стал «Дровосек» (1923; Париж, Mus. Affiche & Pub.), Выполненный в ясных, упрощенных формах, в некотором роде под влиянием кубизма. В 1926 году он опубликовал свой первый текст по дизайну плаката в Revue de l’Union de l’Affiche Française , в котором он подчеркнул роль визуальных коммуникаций, соединив их с древними и средневековыми традициями передачи сообщений через изображения. Кассандр получил свою первую комиссию за большой плакат для парижского мебельного магазина Au Bûcheron в 1923 году.Как плодовитый художник он создал множество плакатов, в том числе плакаты для apéritif Pivolo (1924), газеты «L’Intransigeant» (1925) и Pernod (1934). Для железнодорожной компании Compagnie des Chemins de Fer du Nord и нескольких пассажирских пароходных линий. Он придерживался конструктивного стиля в рамках строго формального языка, который отмечал новую машинную эру 20-го века. В полной мере используя возможности шрифтов, он сделал типографику неотъемлемой частью своего дизайна и за эти годы создал ряд инновационных шрифтов, таких как; Bifur (1929), Acier (1930), Acier noir (1936) и Cassandre (1968).

Вместе с Шарлем Лупо и Морисом Мойраном в 1930 году Кассандра основала Alliance Graphique Internationale , рекламную студию, просуществовавшую до 1934 года. В 1935 году коллекция плакатов Кассандры была опубликована как Le Spectacle est dans la rue , с предисловие Блеза Сандрара. В то же время он начал преподавать в École des Arts Décoratifs , а также в своей собственной художественной школе, но в 1936 году переехал в Нью-Йорк, где работал внештатным художником по рекламе и под эгидой Алексея Бродовича получил несколько комиссионных. за создание нескольких обложек для Harper’s Bazaar .Однако, проведя три года в Соединенных Штатах, Кассандра вернулась в Париж, чтобы работать графическим дизайнером и сценографом, а также рисовать. После более ранних заказов в 1930-х, в 1940-х и 1950-х годах Кассандра много занималась сценическими декорациями, например, для балета Les Mirages . Это было исполнено в 1947 году, и его рассказ написали Серж Лифарь и сам Кассандр. В 1963 году он разработал монограмму Ива Сен-Лорана. Кассандра покончила жизнь самоубийством в возрасте шестидесяти семи лет из-за депрессии.

Пол Колин (1892–1985), дизайнер плакатов и поклонник темнокожей актрисы Жозефины Бейкер, разработал множество плакатов в стиле ар-деко, чтобы рекламировать Бейкер. Карьера Колина началась с La Revue Nègre , и его иллюстрации украсили мемуары Бейкера, опубликованные в 1927 году. В течение 1930-х годов Колин спроектировал ряд съемочных площадок, в том числе одну для Carnet de Bal Фрица Ланга (1937). Ассоциация Бейкера и Колина была удачной для них обоих.Бейкер нашла преданного сторонника, который познакомил ее с французским обществом и частью художественной элиты Парижа. Колин нашел музу и сделал карьеру, которая выпустила около 1900 плакатов и сотни декораций, и принесла ему выдающееся положение в графическом искусстве во Франции.

В 1927 году Колин представил тридцать иллюстраций к «Воспоминаниям» Бейкера и организовал зрелищное мероприятие под названием Bal Nègre в Театре Елисейских полей , которое посетили три тысячи парижан.Четырнадцать из этих литографий были выставлены в Национальной портретной галерее Смитсоновского института. Этот успех и растущее увлечение музыкой и танцами, вдохновленными Бейкером
убедил его отметить это явление, а также извлечь из него выгоду.
создание Le Tumulte Noir в 1929 году. Колин нарисовал изображения для своего портфолио прямо на литографическом камне, и впоследствии они были раскрашены с использованием процесса, известного как pochoir . Эта техника требует большого мастерства и включает в себя серию вырезанных вручную трафаретов для каждого цветового применения и короткие короткие кисти, называемые помпонами.Отпечатки Pochoir, характеризующиеся областями насыщенного плоского цвета, нарисованными гуашью или акварелью, определяли внешний вид графики в стиле ар-деко, пока процесс ручной раскраски не уступил место менее дорогим фотохимическим методам примерно в 1935 году.

Жан Карлу (1900–1997) родился в Бонньер, Франция, в семье архитекторов и учился, чтобы получить эту профессию. Изначально Карлу начал обучение в качестве архитектора, но обратился к графическому дизайну после несчастного случая, в результате которого он потерял правую руку.Его ранние работы демонстрируют увлечение угловатыми формами и пространственными нюансами кубизма. В 1920-1930-х годах он был ведущей фигурой в дизайне французского плаката. Вместе с А. М. Кассандром и Полем Колином Карлу перевел влияние кубизма в символические и архитектурные образы.

В 1937 году Карлу был председателем секции рекламы графики Парижской международной выставки. Он переехал в Соединенные Штаты, чтобы организовать выставку на Всемирной выставке в Нью-Йорке для Французской информационной службы.Он остался там, когда Париж был захвачен немцами. Во время своего пребывания в США он разработал один из своих самых известных плакатов — «Ответ Америки! Производство »Этот плакат принес ему медаль арт-директора Нью-Йорка, а также был признан плакатом года. Он также разработал работу для Container Corporation of America и Pan American Airways. В 1953 году он вернулся во Францию ​​и продолжил свою работу в качестве дизайнера плакатов и консультанта для многих компаний, включая Air France и Firestone France.Он был международным президентом AGI с 1945 по 1956 год и ушел на пенсию в 1974 году.

>
Лупо Шарль Анри Оноре (1892-1960) родился в Ницце и умер в Париже.Он провел свои первые годы в Швейцарии, посетил Ecole des Beaux-Arts в Лозанне и узнал все о литографии в J.E. Wolfensberger в Цюрихе. Его первые плакаты были созданы в Лозанне, Швейцария. В тех
раз, клиенты графического дизайна часто заказывали свои плакаты у типографии, которая в
По очереди получите подходящие дизайны от художников. Видимо никого не беспокоили
когда одно и то же изображение использовалось для двух или даже трех разных клиентов,
и поэтому есть два одинаковых плаката Loupot, один для модного магазина
в Лозанне и еще один для универмага в Люцерне, датированный 1917 годом.

Однако вскоре талант Лупо стал очевиден, и количество
комиссионные, полученные им после 1918 года за моду и предметы роскоши, делают его
Ясно, что его элегантный и яркий дизайн пользуется большим спросом. От
В 1923 году его репутация выросла, и он покинул Лозанну, чтобы работать в Париже, и сразу стал известен благодаря двум плакатам для автомобилей Voisin. Среди его клиентов был меховой магазин «Кантон», который неоднократно заказывал ему в 1919, 1924, 1930 и 1945 годах создание
рекламные плакаты.Первоначально он использовал живописные эффекты, но его стиль взял элементы кубизма и стал строго графическим. С 1947 года он отвечал за корпоративный имидж Saint-Raphaël Apéritif, а с 1955 года руководил рекламной студией Saint-Raphaël.

Послевоенная эпоха Раймона Савиньяка

Раймона Савиньяка (1907-2002) называют последним из великих парижских художников-плакатов.Савиньяк родился в Париже и бросил школу в 15 лет.
городской транспортный чертежный офис, пока он не нашел работу в компании
снимал мультфильмы для рекламы, где его работа заключалась в рисовании фигур, их вырезании и изготовлении
они двигаются за камеру. В последующие годы он всегда цитировал фильм —
особенно американские комедии — как его вдохновение. Случайно Савиньяк познакомился с известным графическим дизайнером А. Кассандра во время гастролей парижских рекламных агентов, а в 1935 году стала его помощницей.Год спустя Кассандра переехала в Нью-Йорк, и Савиньяк нашел себе место в умных принтерах, Draeger Frères , но, к своему разочарованию, « Là, c’était l’horreur, » он обнаружил, что Draeger заказал их более интересные работать со сторонними дизайнерами.

Во время Второй мировой войны и нацистской оккупации Франции Савиньяк снова был безработным, и когда его коллега предложил ему провести выставку своих унтер-офицеров.Как и другие дизайнеры плакатов, он создавал различные графические идеи для воображаемых брендов, а затем искал рекламодателей, которые могли бы сопоставить эти дизайны с подходящими клиентами.

Работу Савиньяка заметил Роберт Герен, арт-директор консорциума général de la publicité , который искал плакат с изображением мыла Monsavon. Савиньяк считал, что его карьера началась в 1949 году с плаката Monsavon Au Lait .

«Я просто подумал о пироге из мыла для Монсавона и корове для молока»,

Восхитительный юмор Савиньяка вызвал положительную реакцию потребителей. Не только его человеческие персонажи были забавными, но и его животные выглядели жизнерадостными. Используя свой юмор, он смог пережить господство фотографического плаката в 1970-х годах, производство которого к тому времени стало менее затратным. Повзрослев, он стал общественным деятелем. Он использовал выставку и книгу Défense d’Afficher , чтобы записать свои опасения по поводу использования пластика, компьютеров и нового жилья, которое он назвал «жилыми гаражами».«Провокационное насилие на плакате», — сказал он, —

.
«выходит за пределы дурного вкуса и на самом деле придает ему определенный стиль. Более того, есть что-то похуже дурного вкуса, и это хороший вкус. 900 000 парижан набиты хорошим вкусом».

Марсель Жакно и его типографика

Марсель Жакно (1904–1989) был графиком-самоучкой, шрифтовым дизайнером и типографом.Он преподавал рекламу в Ecole Techniques de Publicite в Париже и Ecole de L‘Union des Arts Decoratifs . В 1937 году он спроектировал зал музея графики на выставке Paris Expo. Его самым известным дизайном была пачка сигарет Gauloises, которую он произвел в 1936 году и усовершенствовал в 1946 году. В 1960-е годы еженедельно печаталось более 70 миллионов штук. Другим его крупным достижением стал дизайн нескольких шрифтов для шрифтовой мастерской Deberny et Peignot. Он разработал Le Film (1934), Scribe (1937), Jacno (1950) и трафаретный шрифт Chaillot (1954), который использовался для логотипа Национального народного театра (TNP) и показан на более чем 100 плакатах TNP.Дизайн

Jacno полностью сочетал в себе композицию, форму и типографику, а его постеры имели характерный характер, который всегда был узнаваем.

Макет и дизайн обложки книги

Пьер Фошо родился в 1924 году и является одним из ведущих французских графических дизайнеров после Второй мировой войны. Фошо прошел обучение в Париже в Ecole Estienne , школе полиграфического дела. В 1934 году он изучил набор, верстку, корректуру, рисунок и историю искусства.В восемнадцать лет он получил свою первую работу типографского дизайнера во время немецкой оккупации. После войны Фошо был нанят двумя недолговечными еженедельниками. Следуя своим собственным макетам, он составил страницы «у камня», где шрифт собирался и фиксировался в гнезде перед тем, как передать его в печатную машину.

За более чем четыре десятилетия своей карьеры Фошо создал сотни книг. Учитывая архитектурную чувствительность, которую он продемонстрировал в дизайне своей книги, Фошо известен как « architecte du livre » и человек, который представил « livre objet ».Как он заявил в своей книге Ecrire l’espace в начале своей карьеры:

Я подумал о состоянии издательского дела и состоянии книги, очарованный типографским изобретением старых типографов, погрузившись в него, вскоре я начал сомневаться в том, как обстоят дела в то время (1946). Необходимо было разработать новую сделку: на это ушло 20 лет, и эта книга рассказывает эту историю ».

В 1946 году Signes, роскошный модный журнал, поручил Фошо поработать над специальным выпуском о Кассандре.Используя геометрический дизайн, который был частью учения изящных искусств и посткубизма, он использовал возможность применить некоторые из своих архитектурных идей к дизайну книги и с самого начала предупредил читателя, что:

«На твоих губах появляется легкая насмешливая улыбка, но ты ошибаешься, совсем не так! Я использовал этот метод 30
лет (почему бы не признать это?), и он никогда меня не подводил — даже если я позволил себе вольность, что я часто делаю! »

В 1946 году Французский книжный клуб предложил ему восемь лет работы над дизайном их книг.Хотя французский клуб был создан по образцу Американской книги месяца, каждое ее издание было новым, выпущенным клубом. Начиная с самого первого проекта Mimes des courtisanes , пьесы, переведенной с латыни, Фошо применил свой революционный макет; его выбор шрифта, иллюстраций на обложке, форзацов, предварительных страниц и т. д. сделал книгу подходящей для двадцатого века.

«J’ai toujours agi par le symbols».

Я всегда действовал символами.Так он описал свой дизайн макета, в котором широко используются символические изображения и шрифты. По его словам, выбор шрифта должен определяться текстом:

«Способы установления связи между текстом и его графикой.
выражения настолько разнообразны, что невозможно установить абсолютные правила. Диапазон различных форм печатной продукции и тематики, которой она посвящена, требует столь же широкого диапазона ТОНОВ. Тон и значение графики будут напрямую связаны с РЕАКЦИЯМИ, которые будут спровоцированы в читателе.Это вопрос
достижение идеального баланса между текстом как словами и значением, которое читатель придаст печатному тексту: если различные отношения, управляющие частями и целым, сведены воедино, мы будем создавать новый ОБЪЕКТ для каждой новой работы ».

В течение следующего десятилетия, начиная с 1954 года, Фошо присоединился к Club des Libraires de France, в качестве менеджера по производству и дизайнера, где он произвел 450 наименований.

Faucheux также интересовался архитектурными проектами.Фактически, еще в 1947 году, надеясь сделать карьеру архитектора, он посетил Ле Корбюзье в его мастерской, а в 1957 году провел с ним шесть месяцев. Его архитектурные проекты включали фасад, интерьер и мебель для книжного магазина La Hune. Используя свои архитектурные и графические способности, он оформил 20 выставок в период 1947-67 годов, среди них был дизайн французского павильона на Брюссельской всемирной ярмарке 1958 года, французская литература для Москвы в 1961 году и в 1965 году французский павильон на выставке Миланская Триеннале, Парижская биеннале в старом Musée d’Art Moderne , которая привела к его изменению дизайна значительной части интерьера здания, открытого в 1972 году.

Роберт Массин родился в 1925 году и является еще одной ключевой фигурой в развитии французского послевоенного графического дизайна. В течение двадцати лет он был арт-директором Editions Gallimard , где он создал коллекции бумажников « Folio » и « L’Imaginaire », а в сотрудничестве с фотографом Генри Коэном он задумал графическую интерпретацию произведений Эжена Ионеско. абсурдистская пьеса La Cantatrice chauve (Лысое сопрано), за которую он получил Лейпцигскую международную книжную премию.Разносторонняя работа Массина включает в себя множество творческих и революционных проектов.

Интерес Массина к графическому дизайну зародился в детстве, когда он собрал все графические изображения и формы букв, которые можно найти в
продуктовый магазин его бабушки: логотипы, упаковка, вывески, плакаты и
эмалевые рекламные таблички.
В возрасте семи лет он писал и проектировал небольшие
книги, подписывая их; «Роберт
Массин, автор, редактор, издатель, типограф и фотограф: «По его словам, отец, гравер по камню, стимулировал его интерес« к буквам и всем графическим вещам ».
когда в четырехлетнем возрасте дал
ему молоток и долото, и попросил его выгравировать свое имя на мягком камне, хотя бедный ребенок еще не умел писать
алфавит!

Карьера Массина началась в 1949 году, когда он начал разрабатывать книги для Club du Meilleur Livre , одного из крупнейших книжных клубов.
во Франции после Второй мировой войны, в то время, когда большинство книжных магазинов по всей стране было закрыто из-за войны, и он стал одной из главных фигур революции книжного дизайна 1950-х годов.Как независимый художник-график, он разработал тысячи обложек и обложек, а также множество макетов книг и плакатов.

В 1970 году он написал и создал книгу «Письмо и изображение», которая с тех пор постоянно обновляется и переиздается. Его писательский труд включает около тридцати томов, а город Шартр опубликовал каталог его типографских работ в трех томах. Под эгидой ЮНЕСКО он получил Международную книжную премию за вклад в культуру.От Нью-Йорка до Сеула и от Стамбула до Сан-Франциско десятки городов по всему миру организовали ретроспективные выставки его работ. В 2001 году он был избран в Королевскую академию Бельгии.

По словам Массена, его наставником был Пьер Фошо, который был раньше;

«один из первых дизайнеров / типографов, которые подчеркнули важность динамической типографики и документальной иконографии на обложках, в то время как иллюстрация еще не была заменена фотографией.Для своих первых каверов я спрашивал себя: «Что бы подумал Пьер Фошо?» »

На него также повлияли заголовки Сола Басса из фильмов Альфреда Хичкока и анимационные мультфильмы Текса Эйвери.

«Я часто говорил о кинематографическом качестве дизайна книги, раскрывающем ее повествовательную структуру при постоянном изменении масштаба и ритма, а также о чередовании фокальных плоскостей и перспективы. Между форзацами и первой подписью это было похоже на создание небольшого флипбук внутри книга.Было довольно часто иметь эти тщательно продуманные вводные страницы в книгах клубов ».

Май 1968 года, Парижская весна и рождение социальных плакатов

Восстание студентов и рабочих во Франции в мае 1968 года было социокультурной революцией. Франция проснулась в шоке. Так, по-видимому, и президент Шарль де Голль, рано легший спать. Забастовки
началась в Нантере, где 3 мая постановлением правительства было приостановлено
занятия после того, как студенты протестовали против правил общежития. В тот же день
студенты заняли прославленный университет Сорбонны в самом сердце
Латинский квартал Парижа.В пятницу, 3 мая, в университете Сорбонны был созван митинг протеста против закрытия накануне Нантерского университета. Это произошло после недели столкновений между крайне правыми группами и студентами, выступающими против войны во Вьетнаме.

К вечеру на бульваре Сен-Мишель разгорелась ожесточенная битва, в результате которой 72 полицейских и бесчисленное количество молодых людей получили ранения, 600 были арестованы, и это вошло в историю как «Парижская весна». начался.

На следующий день пресса и СМИ пестрели комментариями о неожиданной реакции студентов. Произошла полная неожиданность и непонимание происходящего. Хотя, как обычно, правительство обвиняло небольшую группу агитаторов, в ближайшие дни и недели все яснее станет одно — просачивающееся чувство гнева и разочарования во французском обществе, не только в колледжах и университетах, но и в других странах. фабрики и рабочие места вот-вот взорвутся. Это был бунт против жесткости традиционного консерватизма, когда все общество начало переоценивать свои фундаментальные ценности, или, как сказал Андре Мальро, писатель, политик и министр культуры Франции в то время, это было предвестником смерти Бога! К 10 мая жестокие бои, облака слезоточивого газа, коктейли Молотова, взрывающиеся автомобильные бензобаки, булыжники, брошенные в полицию, преследование и избиение студентов, стали новой нормой.Франция и ее президент Шарль де Голль были шокированы. События ускорились. Левые устроили огромный марш солидарности со студентами, которые повторно заняли Сорбонну. Рабочие начали захватывать свои фабрики. В течение следующей недели страна была закрыта всеобщей забастовкой. 30 мая де Голль кратко обратился к народу по радио. объявил о новых выборах и намекнул на использование военных средств для восстановления порядка. Искусно подготовленная демонстрация сразу же заполнила Елисейские поля сотнями тысяч граждан, ранее сохранявших сдержанность.Ни в одной другой стране студенческий бунт не привел к восстанию рабочих, которое поднялось из низовых рабочих и сокрушило патерналистское руководство профсоюзов так же сильно, как патерналистское, консервативное правительство. Жан-Поль Сартр стоял на ящике возле завода Renault в Булонь-Бийанкур, рассказывая рабочим о грядущем рае для студентов, рабочих и интеллектуалов.

В 1968 году, однако, под знаменитым лозунгом «il est interdit d’interdire» («запрещено запрещать») студенты и художники клеили плакаты и строили баррикады.Бернар Рансильяк, участник ателье изящных искусств, вспоминает и плакаты, и баррикады как отсылки к «девятнадцатому веку», особенно потому, что «в наше время, с танками, вертолетами и прочими подобными вещами, баррикада длится не пять минут». ” С лозунгами вроде «Марксистская тенденция Граучо». «Будь реалистом, проси невозможного». «Принимайте свои желания за реальность». «Расстегни свой мозг так же, как и свои брюки», стены Парижа были покрыты новым видом монохромных плакатов, вдохновленных l’Atelier Populaire , на которые повлияли работы польского происхождения Романа Чеслевича, который жил во Франции с тех пор. 1963 г.

Роман Цеслевич (1930 — 1996) родился во Львове, который до Второй мировой войны был частью Польши, а сейчас находится на Украине. В возрасте тринадцати лет Цеслевич поступил в Школу художественной индустрии, а в семнадцать лет переехал в Краков, чтобы поступить в Школу визуальных искусств, и, наконец, после шести лет обучения в Краковской академии изящных искусств по специальности дизайн плакатов и дисплеев. он получил художественный диплом в 1955 году. Побывав несколько раз в Германии и Италии, Чеслевич переехал в Париж в 1963 году, где работал в рекламе, книжной и журнальной иллюстрации.В конце концов, с 1965 по 1969 год он стал художественным руководителем Elle , женского журнала о моде. Он также работал в Vogue . С 1975 года он начал сотрудничество с Центром Помпиду в Париже и выпустил плакаты и каталоги выставок. Эта работа принесла ему международное признание, и в 1979 году он был удостоен Гран-при художественной печати на выставке Париж-Москва в Центре Помпиду. Цеслевич полностью интегрировал типографику в свою работу, поскольку, по его словам:

«Изображение было обнаженным, если оно не сопровождалось словом»

В роли дизайнера журнала об искусстве Opus International Роман Чеслевич оказал значительное влияние на европейский дизайн, в частности, его работы были очень
оказал влияние на художников и дизайнеров, принявших участие в ателье.
Populaire в мае 68 года, и особенно те, которые будут формироваться
фирма политического дизайна Grapus.

L’Atelier Populaire Présenté par Lui-Même

В 1968 году студенты продемонстрировали свою интенсивную политизацию огромным количеством плакатов, которые они приклеили на стены Парижа.
Жерар Тиссеран, член недавно созданного ателье бывших изящных искусств , отправился в недавно оккупированную Сорбонну, позвонив всем по телефонам:

«Хватит тратить время на ерунду. В Beaux-Arts нам нужна помощь в создании плакатов. Приглашаются все художники.”

Многие художники последовали за ним, и они заняли Beaux-Arts, , напечатав свой первый плакат 14 мая. Кроме того, другие художники-студенты, которые занимали Arts-Déco с ночи 13 мая, несколько дней спустя начали создают свои вызывающие политические плакаты. Хотя студенты исключили профессоров из Beaux-Arts и Arts-Déco , они были профессиональными художниками, как и те, что были в группе Jeune Peinture , которые занимали здания и руководили мастерскими.Художники Jeune Peinture коллективно создали множество работ и оставили их без подписи. Они использовали рабочие лозунги и слова политиков для текстов своих плакатов. Многие из художников Arts-Déco также работали коллективно и анонимно, и на некоторых из них оказал влияние известный польский художник-плакатист Генрик Томашевский. По словам Бернарда, который учился у него

«[Польский опыт] действительно изменил мою жизнь.Учение Томашевского было полной революцией. Это было открытие идеологической и моральной приверженности в изображении. Мы внедрили практику, которая пришла из Польши, мы хотели получить продукт, который будет оцениваться группой … О Польше много думали те люди, которых я знал в мастерской Arts-Déco … Насколько я знаю обеспокоен, художественное влияние — прежде всего польский опыт ».

Хотя большая часть плакатов ателье была напечатана по заказу профсоюзов, которые принесли свои собственные лозунги, рабочих в обоих ателье явно не было.Ателье бесплатно предоставляло рисунки профсоюзам, добивавшимся повышения заработной платы. Однако весеннему движению, которое постоянно пыталось установить связь с рабочим классом, не удалось интегрировать его в производство плакатов, а радикальным художникам не удалось обратить рабочих в их более радикальные политические взгляды.

Когда в 1969 году вышел большой том в красной обложке: L’Atelier Populaire Présenté par Lui-Même — «Популярная мастерская, представленная самим собой», изданный британским издательством Dobson; сначала на французском, а вскоре после этого и на английском, он стал авторитетным источником информации на плакатах 1968 года, цитируемым практически во всех исследованиях по этой теме.Плакаты, воспроизведенные в книге, были исключительно продукцией ателье Beaux-Arts , сотрудники которого также написали весь текст. Популярность этой книги помогает объяснить, почему история и работа Arts-Déco и других ателье были забыты.

Широкое распространение L’Atelier Populaire Présenté par Lui-Même принесло миру французские плакаты. Немедленное влияние оказали на международное левое молодежное движение: плакаты появились в общежитиях радикальных студенческих активистов по всему миру, на футболках и на демонстрациях.Коллектив дизайнеров Grapus; дизайн для сквера

Коллектив дизайнеров Grapus был основан в 1970 году художниками-членами Французской коммунистической партии (ФКП), Пьером Бернаром, Жераром Пари-Клавелем и Франсуа Мие, которые участвовали в студенческом движении в мае 1968 года. К ним присоединились в 1974-1975 годах Жан-Поль Башоле и Алекс Джордан. Однако Мие покинула группу в 1978 году. Вначале, создавая культурные и политические плакаты для экспериментальных театральных групп, прогрессивных городских советов, PCF, CGT (коммунистический профсоюз), образовательных организаций и социальных институтов, Grapus стремился «изменить жизнь». ‘сплетением динамики графики и политического действия.Коллектив презирал коммерческую рекламу и, придерживаясь идеалистических принципов своих основателей, пытался внести культуру в политику, а политику в культуру. Стиль визуальной коммуникации Grapus был мощным и очень самобытным, характеризовавшимся неприхотливой и подвижной комбинацией импульсивных каракулей, плоских цветов, распущенных композиций и буйной шумности. В 1984, 1985 и 1988 годах Грапус разработал фирменный стиль Centre National des Arts Plastics , Parc La Villette и Лувр соответственно.С 1978 года Grapus показывал свои работы на крупных выставках в Musee de l’Affiche в Париже, Stedelijk Museum в Амстердаме, на конференции Aspen в Аспене, штат Колорадо, и в Музее современного искусства в Монреале.

Работа дизайнерского коллектива Grapus относилась к публичной площади, она представляла собой диалог между правительством и гражданами; культура и политика, и, в конечном итоге, сообщение и форма. Его визуальная коммуникация на общественной площади была смелой и честной, он осознавал свое присутствие и его влияние; и в то же время он был информирован о социокультурных параметрах времени во всех его измерениях прошлого, настоящего и ожидаемого будущего, что обеспечило соревнование для экспериментов и инноваций.На протяжении всей своей истории Grapus оставались коммунистами и идеалистами и продолжали действовать коллективно: вся работа покидала студию с подписью «Grapus», даже когда их количество в студиях выросло примерно до 20, работая в трех отдельных коллективах.

Социалистическая Франция 1980-х Франсуа Миттерана сосредоточила свое внимание на движении культурной демократии. Джек Лэнг, министр культуры, поддерживал широкий спектр авангардных художественных проектов, и графическое выражение было одним из них. Ланг окружил себя динамичной командой советников, некоторые из которых, как и Ланг, были студенческими активистами в борьбе Алжира за независимость.Каждый социалистический город, поселок и деревня должен был иметь свой логотип. Все государственные учреждения были вынуждены приобрести графическую идентичность. А Центр Жоржа Помпиду только что организовал выставку под названием Images d’utilite publique (Изображения для общественного пользования), которая впервые определила роль графического дизайна в современных демократиях. Важнее всего для французских дизайнеров то, что начинала формироваться последовательная теория графического дизайна. Но вместо того, чтобы помочь Grapus продвинуть свое революционное послание, этот внезапный всплеск общественного интереса к графическому дизайну поставил под вопрос сам смысл raison d’etre .Уже не в оппозиции, члены коллектива чувствовали, что они изменяют своей подрывной миссии. Подобно [Ситуационистскому Интернационалу], который исчез как группа в неразберихе студенческого восстания, которое они спровоцировали, Грапус распался, когда его конфронтационная идеология была успешно принята культурным истеблишментом.

Grapus окончательно распались в январе 1991 года, и после распада они начали заниматься своим ремеслом, каждый на своих условиях. Пэрис Клавель разработал отмеченные наградами, левые плакаты под Ne pas plier monkier (каламбур на предупреждении «Не складывайте» на почтовых конвертах, содержащих графические материалы, название говорит о негибком настроении), Миш начал преподавать в Ecole de Arts Décoratifs .Алекс Джордан, который присоединился к Grapus в 1976 году, основал Nous travaillons ensemble (Мы работаем вместе), еще один дизайнерский коллектив, известный своей социальной активностью. Фокке Драайер и Дирк Дебидж, два голландских графических дизайнера, которые вместе с Пьером Бернаром основали ACG, также в конечном итоге ушли, чтобы создать свои собственные студии.

Графический дизайн в 1990-е годы и контрреволюция М / М

Одним из замечательных достижений французского графического дизайна 1990-х годов являются плакаты, созданные Матиасом Августиняком и Майклом Амзалагом. В начале 1990-х годов более авторитетные французские дизайнерские компании, такие как Grapus, выполняли всю работу в области культуры, работу, порожденную социалистическим правительством той эпохи. М / М просто забрал то, что осталось. Фактически, до начала 2000 года, когда появились такие группы, как Air и Daft Punk, «французская музыкальная сцена была полностью мертва».В результате маркетинговая музыка во Франции получила огромные финансовые вливания. С тех пор так называемое «французское прикосновение» помогло появиться молодым французским графическим дизайнерам. Работая в качестве графических дизайнеров и креативных директоров в области искусства, моды и музыки, Амзалаг и Августиньяк сделали M / M могущественной силой в современной французской культуре.

Они оба учились в Высшей национальной школе декоративного искусства в Париже в 1988 году, где они встретились и начали работать вместе в 1991 году, основав M / M в 1992 году.Через два года, до получения диплома, Майкл ушел, чтобы руководить музыкальным журналом Inrockuptibles . Матиас получил степень и продолжил обучение в течение двух лет в Королевском колледже искусств. Пути были очень разными, но впоследствии их общий опыт оказался очень дополняющим. Образование было отправной точкой, и после окончания Королевского колледжа Матиас почувствовал, что

«Я все это знал, но как только я начал работать, мне пришлось все переоценить».

Они с тех пор работали вместе в качестве графических дизайнеров и арт-директоров над модными и арт-проектами, в основном для давних клиентов и сотрудников, таких как модельеры Йоджи Ямамото и Мартин Ситбон, а также фотографы Крейг МакДин, Инез ван Ламсверде и Винуд Матадин.Начав заниматься музыкальными проектами, M / M стали сотрудничать с Ямамото и Ситбон в 1995 году и с тех пор работали для других домов моды, включая Balenciaga, Louis Vuitton и Calvin Klein. Их работа в мире искусства варьируется от заказов для музеев, таких как Центр Жоржа Помпиду и Дворец Токио в Париже, до сотрудничества с такими художниками, как Филипп Паррено и Пьер Юге. Амзалаг и Августыняк также работают креативными консультантами в парижском Vogue.

Выдающиеся графические дизайнеры всегда объединяли свой творческий и коммерческий успех, наполняя свою работу глубиной и смыслом.Часто они отделяют свои коммерческие проекты от личных, более выразительных, но M / M не делает различий между ними. Августыняк и Амзалаг рассматривают всю свою работу как культурное мероприятие — будь то глобальные модные бренды, такие как Calvin Klein, Balenciaga или Stella McCartney, журнал Paris Vogue или крошечный театр Бретани — и черпают свои художественные выставки из своего коммерческого архива.

«Для нас никогда не было вопроса о чисто выразительной работе против
чисто коммуникативная работа », — сказал Амзалаг.»Это все часть нашего тела
работа »

Прошлой осенью Канье Уэст попросил M / M Paris разработать упаковку альбома для My Beautiful Dark Twisted Fantasy. Уэст также поручил художнику Джорджу Кондо создать несколько картин с персонажами, которые представляют музыкальные фантазии Уэста. M / M Paris создала серию нарисованных от руки орнаментированных рам, чтобы дополнить картины Кондо. Все трое решили использовать все элементы в своем творческом процессе, чтобы создать пять полноцветных шелковых шарфов.

M / M проектировал театральные плакаты для CDDB — Théâtre de Lorient более пятнадцати лет. Их творческие плакаты основаны на иконографии, уходящей корнями в повседневную профессиональную и личную жизнь двух дизайнеров. В афишах М / М театр значение остается на полях; некоторые плакаты, кажется, представляют собой фон, символическое повествование, memento mori , в то время как другие, кажется, предполагают обычную константность.Печать плакатов в четырех цветах (CMYK), стандартном методе изображения, контрастирует со сложной формальной работой над буквами черно-белых заголовков. По данным М / М:

Мы выбрали графический дизайн не только потому, что мы графические дизайнеры. Это было своего рода социальное обязательство, способ заработать на жизнь, а также распространять наши идеи. Нам очень подходит деятельность, связанная с графическим дизайном. Нам нравится процесс мышления, но мы предпочитаем, чтобы он был связан с формой и чтобы идеи приносили ощутимые результаты.Кроме того, мы не создаем вещи на ровном месте, мы хотим установить с кем-то отношения. Но, как таковой, графический дизайн волнует нас не больше, чем любые другие средства массовой информации, чем, например, фильмы или книги.

Находясь во Франции, мы смогли полностью изменить наш взгляд на графический дизайн. Французских дизайнеров так мало, что сфера деятельности не определена точно, как, например, в Германии, Великобритании или США. Там вы соглашаетесь заниматься корпоративным дизайном или дизайном обложек для пластинок, тогда как во Франции все еще есть много места для экспериментов и кроссоверов.Наши ранние влияния включают все, но ничего особенного. В нашем понимании жизни одно не лучше другого. Все переплетено.

French Touch, для 2000 года и позже

Когда Эрик Моранд, создатель техно-лейбла F Communication , вместе с ди-джеем Лораном Гарнье заявил в 1994 году, что:

«Мы придаем хаус-музыке французский оттенок»

мало они знали, что термин «французское прикосновение» вскоре определит французское графическое движение нового тысячелетия.Фактически, вскоре после этого заявления все визуальные художники; графические дизайнеры, видеорежиссеры и т. д., которые участвовали в создании продуктов визуальной коммуникации, были отождествлены со смелым и новым стилем компьютерных изображений. Их поддержали сильные новаторские шаги Франции в области цифровых технологий. Фактически, француз Пьер Безье разработал участки поверхности CADÍCAM: математические определения сложных поверхностей, используемые в автомобильных приложениях CADICAM. Другой дизайнер, Анри Гуро, в середине 1970-х годов впервые применил методы затенения для цветной графики.В 2010-х годах Франция стала лидером в области промышленного программного обеспечения САПР, жизненно важного для анимации. В начале нового тысячелетия французы достигли форм визуальной коммуникации, которые снова стали уникальными и замечательными. Индустрия графического дизайна и анимации Франции была полностью реструктурирована менее чем за пять лет. Подобно инвестициям эпохи Миттерана и Ланга в искусство, государственные субсидии и планирование вместе с промышленной базой CADAM послужили мощным стимулом для французских художников изобразительного искусства.

В то же время, сотрудничая с новыми независимыми лейблами, французские графические дизайнеры создали аутентичную визуальную идентичность электронной музыки, основанную на таких препятствиях, как ограниченность производственного бюджета, желание музыкантов оставаться анонимными и появление Macintosh и его простота как инструмент дизайна. Графический дизайнер Женевьева Гоклер, которая только что закончила Ecole des Arts Décoratifs , присоединилась к французскому лейблу F Communication , который только что был основан Эриком Мораном и Лораном Гарнье .Как она объясняет:

Создавать новые произведения искусства, следуя этим правилам, этим ограничениям, похоже на вызов. Это похоже на то, как дети играют и пытаются придумать новую историю, новую игру, всегда используя одни и те же игрушки. В каком-то смысле я пытаюсь стать все более и более простым, но я бы не осмелился использовать слово «минималист», потому что оно связано с искусством, и я не особо связан с миром искусства — моя работа ближе иллюстрации и декорации. Эта простота похожа на облегчение в нашем сложном, высокотехнологичном мире: никаких сложных фильтров, никаких картинок, сделанных с помощью 500 слоев Photoshop, только краски и карандаши.”

Алекс Гоффер, Этьен де Креси и Пьер-Мишель Левалуа, работая с коллективом H5, создали лейбл The Solid . Обложки альбома, такие как альбом «Супер скидка» Этьена де Креси и видео Алекса Гоффера «Ребенок», переосмыслили концепцию французского прикосновения.

Ярлык Yellow, созданный Аланом Хо и Кристофом ле Фрианом, он же Боб Синклар, привлек таланты Сержа Николя.Эти графические дизайнеры, только что окончившие школу, освободились от преподавания, которое они получали в колледже, с его настойчивыми ссылками на польские и швейцарские школы и воинствующий графический дизайн коллектива Grapus, и обратились к англосаксонской постмодернистской графике. таких дизайнеров, как Питер Сэвилл, Невилл Броуди и Designers Republic за их вдохновение.

Винсент Перротте родился в Сен-Дени во Франции в 1958 году.Учился в Высшей национальной школе декоративного искусства на факультете видео / кино. в период 1978-1984 годов. В 1983 году он познакомился с группой Grapus и проработал с ними до 1989 года. После окончания университета Перротте проработал один год с двумя другими членами Grapus; Тев и Пьер Милвиль; и два года спустя, в 1987 году, он присоединился к Пьеру ди Скиулло и Пьеру Милвиллю, чтобы основать Courage , срок службы которого составлял один год. Затем в 1989 году Винсент Перротте и Жерар Пари-Клавель создали les Graphistes Associés , одно из трех ателье , которые возникли у Грапю с Жан-Марком Балле, Анн-Мари Латремольер и Одиль Хосе. Les Graphistes Associés была привержена созданию общественного имиджа, основанного на социальном благе, стремясь разработать социально ответственный французский графический дизайн.

Жерар Пэрис-Клавель покинул группу в 1992 году, а остальные членов Les Graphistes Associés , включая Сильвена Энгюарда, Одиль Хосе, Анн-Мари Латремольер, Матиас Швейцер и Винсент Перротте, распались в 2000 году. После распада Винсента Перротте начал работать свободным и независимым графическим дизайнером.Работая вместе с Анетт Ленц в театре d’Angoulême , он оставался верным идее общественного блага. Как он отмечает:

Ежедневно наши глаза видят сотни городских изображений (плакаты, знаки, публикации той или иной организации …), которые, как предполагается, интересуют нас, информируют, направляют или наставляют нас. Однако, если нас попросят рассказать или описать одно, даже кратко, почти всегда невозможно вспомнить то, что мы видели. Это как если бы мы видели, как они просто избегают их, как будто в их формах и сообщениях нет ничего, что могло бы заставить нас задуматься, ничего, что могло бы произвести на нас разумное и значительное впечатление… Я пытаюсь привлечь внимание прохожих, замедлить их, остановить и заставить прочитать то, что я хочу сказать. Возможно, касаясь чувствительной области их восприятия формы и смысла нашей жизни, заставляя их критически соглашаться или не соглашаться с моими предложениями, вызывая дискуссию между теми, кто чему-то научился, а затем надеемся вызвать размышления и память.

Перротте также думал о à l’École Supérieure d’Art et de Design d’Amiens (ESAD) в 1992–1993 годах.Кроме того, он участвовал в многочисленных заданиях, таких как чтение лекций, участие в конференциях, жюри по приему заявок и получение степеней в l’ENSAD, l’ESAG, l’Ecole Estienne, l’ENSCI, l’Ecole d’architecture de Marne- la-Vallée и ряд других художественных школ. С 1999 года Перротт преподавал в l’École d’art du Havre. . В 2004 году вместе с Анетт Ленц Перротте выиграла второй приз на biennale d’affiches de Téhéran и выиграла главный приз на biennale d’affiche de Ningbo в Китае.

Toffe — это nom de plume Кристофа Жаке, важного и оригинального постмодернистского графического дизайнера, имеющего определенные последователи в Париже, где он родился и живет до сих пор.Тоффе поступил в Высшую школу изящных искусств Парижа , чтобы изучать живопись и скульптуру;

«Все было очень формально, студенты получали классическое художественное образование. Упор делался на рисование обнаженной натуры, а графическому дизайну вообще не преподавали. Но пока я был там, я обнаружил компьютер Apple Mac. Это было в 1984 году. У друга был ранний Mac Plus — он был настолько новым, что даже имел американское напряжение. Для меня это был ядерный момент. Я тут же решил стать графическим дизайнером.”

По словам Этьена Эрви, редактора французского журнала о графическом дизайне Etapes :

«Французские дизайнеры считают его разовым, своего рода диковинкой.Кто-то, кто находится где-то еще — в интеллектуальном смысле. Но есть сильная группа молодых дизайнеров, которые следуют за ним и иногда работают с ним над крупными проектами, обычно после того, как он произвел на них впечатление во время одного из его семинаров или посещений их школы. Если не обращать внимания на больших звезд, таких как M / M, или до них Grapus, он один из немногих французских дизайнеров, у которых есть такой «суд» — это слово слишком сильное, но я не уверен, что будет правильное английское слово. быть.
”

Его работы «изобилуют противоречиями», — говорит Рик Пойнер, сочетая уродливые стандартные настройки компьютера с замысловатыми флеронами и расцветая в резких графических сопоставлениях.Имя Тоффе — предполагает персонажа, которого играет Жан Поль Бельмондо в беззаботном французском гангстерском фильме. Дизайн Тоффе продуман, смел и оригинален. В своей работе он сочетает настройки компьютера по умолчанию со своими творческими подходами. Кроме того, его гарнитура представляет собой смесь Times New Roman с элегантной филигранной работой и гибридными цифровыми шрифтами.

«Я использую в своей работе множество настроек по умолчанию, мне нравится, когда люди видят характер машины, которую я использовал. Компьютер меня сразу очаровал, он дал мне ощущение силы.Это сделало для меня то, что сейчас делает Интернет. Это означало, что люди во всем мире использовали одну и ту же машину. Я использовал ту же машину, что и кто-то в Америке. Я использовал MacPaint и MacWrite. Недавно я встретил Билла Аткинсона, парня, создавшего MacPaint, и горячо его поблагодарил. Что меня больше всего взволновало в Mac, так это функция отмены. Вы не можете отменить рисунок или картину. Я нашел это психологически стимулирующим. Я был одержим повторением. Я делал повторяющиеся скульптуры — барельефы — и это казалось мне мостом между искусством и графическим дизайном.”

В последнее время Тоффе сотрудничал с Centre Cultural Francais d’Alger , который под эгидой французского правительства посвящен «возобновлению диалога между двумя берегами Средиземного моря.» Как он поясняет:

«Между Францией и Алжиром очень сложные отношения. Директор Культурного центра Альдо Херлаут — интересный человек. Он попросил меня создать визуальную идентичность Центра. В моей студии я работал с итальянским дизайнером по имени Джанни Опранди. , он был одним из моих учеников, и я работал с ним над другими проектами. Вместе мы сделали руководство по стилю для всех коммуникаций центра. Также мы сделали много других индивидуальных проектов, включая плакаты и листовки.”

Чтобы создать визуальную идентичность для CCF, Тоффе углубился во французскую типографскую традицию и благородную грамматику арабского орнамента, чтобы включить в свой дизайн смесь арабских и европейских знаков и тропов.

«Французский посол считал это опасным. Его можно было рассматривать как Каабу, храм в форме куба во дворе Священной мечети в Мекке, к которому мусульмане
лицо в ежедневной молитве. Фактически, это графическое изображение очертания Франции. Сделать это
приемлемо, я использовал красивый французский синий для формы восьмиугольника.Я также адаптировал классический французский
шрифт Нормандия. Он появился еще до французской оккупации Алжира в 1830 году. Это как Мистраль и
Banco — типично французский. Я, конечно, не использовал его прямо, я подправил. Я надеюсь личность
провокационно, а не колонизаторски. Но я ничего не могу поделать со своим французским происхождением. Я не могу просто бросить
это прочь. ”

Тоффе разработал подход с использованием векторных рисунков для создания проволочной линии, которую он мог использовать для создания абстрактных арабских букв, не читая их. Мотивы, использованные в идентичности CCF, были свободно основаны на арабской типографике, которая похожа на латинский почерк и струится.

«Я не думаю, что они считают это неуважением. Они относятся к нему как к подарку. Они относятся к нему так же, как к тортам и деликатесам, которые очень важны в арабской культуре.Еда, приятные цвета, глазурь — все это доставляет удовольствие. ”

Еще один яркий образец графического дизайна, созданный под баннером CCF, — это книга Тоффе.
посвящена французскому поэту Жану Сенаку (1926-1977), убитому в Алжире в 1977 году. Сенак, гомосексуалист, был протеже Альбера Камю и горячим сторонником независимости Алжира, в результате чего он расстался с Камю . Он стал гражданином Алжира и выразил свою глубокую любовь к Алжиру через свои пронзительные стихи. Как отмечает Адриан Шонесси:

Книга под названием pour jean sénac — образец силы графического выражения.Он наполнен его фирменными знаками и символикой. Это также бравурная демонстрация дизайнера как редактора. Ни один обычный редактор никогда не выпустил бы такую ​​книгу. Совершенно очевидно, что это работа художника-визуала, полностью увлекающегося предметом книги и использующего богатый язык жестов графического дизайна для придания слоя визуальных комментариев, которые добавляют к накопленному удовольствию от работы с этой книгой и ее изучения.

…. и другие

_

Laurent Fétis
Social Club

Mathias Schweizer
Antidote, la Galerie des Galeries

Paul Cox
Théâtre Dijon Bourgogne, центральный драматический национальный центр

Lieuxcommuns
La Criée, center d’art comtemporain

____________________________________________________________________________

Эта работа находится под лицензией Creative Commons Attribution-No Derivative Works 3.0 Непортированная лицензия.

Лучший дизайн на французском языке — Лучшие предложения на французский дизайн от мировых продавцов из Франции

Отличные новости !!! Вы находитесь в нужном месте для французского дизайна. К настоящему времени вы уже знаете, что что бы вы ни искали, вы обязательно найдете это на AliExpress. У нас буквально тысячи отличных продуктов во всех товарных категориях. Ищете ли вы товары высокого класса или дешевые и недорогие оптовые закупки, мы гарантируем, что он есть на AliExpress.

Вы найдете официальные магазины торговых марок наряду с небольшими независимыми продавцами со скидками, каждый из которых предлагает быструю доставку, надежные, а также удобные и безопасные способы оплаты, независимо от того, сколько вы решите потратить.

AliExpress никогда не уступит по выбору, качеству и цене.Каждый день вы будете находить новые онлайн-предложения, скидки в магазинах и возможность сэкономить еще больше, собирая купоны. Но вам, возможно, придется действовать быстро, поскольку этот дизайнерский французский в кратчайшие сроки станет одним из самых популярных бестселлеров. Подумайте, как вам будут завидовать друзья, когда вы скажете им, что купили французский дизайн на AliExpress. Благодаря самым низким ценам в Интернете, дешевым тарифам на доставку и возможности получения на месте вы можете еще больше сэкономить.

Если вы все еще не уверены в французском дизайне и думаете о выборе аналогичного товара, AliExpress — отличное место для сравнения цен и продавцов.Мы поможем вам решить, стоит ли доплачивать за высококлассную версию или вы получаете столь же выгодную сделку, приобретая более дешевую вещь. И, если вы просто хотите побаловать себя и потратиться на самую дорогую версию, AliExpress всегда позаботится о том, чтобы вы могли получить лучшую цену за свои деньги, даже сообщая вам, когда вам будет лучше дождаться начала рекламной акции. и ожидаемая экономия.AliExpress гордится тем, что у вас всегда есть осознанный выбор при покупке в одном из сотен магазинов и продавцов на нашей платформе.Реальные покупатели оценивают качество обслуживания, цену и качество каждого магазина и продавца. Кроме того, вы можете узнать рейтинги магазина или отдельных продавцов, а также сравнить цены, доставку и скидки на один и тот же продукт, прочитав комментарии и отзывы, оставленные пользователями. Каждая покупка имеет звездный рейтинг и часто имеет комментарии, оставленные предыдущими клиентами, описывающими их опыт транзакций, поэтому вы можете покупать с уверенностью каждый раз. Короче говоря, вам не нужно верить нам на слово — просто слушайте миллионы наших довольных клиентов.

И, если вы новичок на AliExpress, мы откроем вам секрет. Непосредственно перед тем, как вы нажмете «купить сейчас» в процессе транзакции, найдите время, чтобы проверить купоны — и вы сэкономите еще больше. Вы можете найти купоны магазина, купоны AliExpress или собирать купоны каждый день, играя в игры в приложении AliExpress. Вместе с бесплатной доставкой, которую предлагают большинство продавцов на нашем сайте, вы сможете приобрести design french по самой выгодной цене.

У нас всегда есть новейшие технологии, новейшие тенденции и самые обсуждаемые лейблы. На AliExpress отличное качество, цена и сервис всегда в стандартной комплектации. Начните самый лучший шоппинг прямо здесь.

Сцена французского шрифтового дизайна

Знания о дизайне ▷ Французский перевод

Знания о дизайне ▷ Французский перевод — примеры использования знаний о дизайне в предложениях на английском языке

задумка

модель

Conceptuel

рисунок

рабочий

.