Картины эпохи Возрождения, ТОП-30 знаменитых картин
В Италии с XIV века началась эпоха Ренессанса, вслед за духовным Возрождением, начавшимся от Мартина Лютера, лидера протестантизма в Германии. Дух протеста против всеобщего порабощения религиозной верхушкой всех сфер жизни вскоре коснулся и искусства. В то время и были написаны многие знаменитые картины эпохи Возрождения.
Новый уровень внутреннего раскрепощения отразился на манере живописцев, появились новые способы изображения обнаженной натуры, игры светотени, подачи объема и перспективы. Итальянский Ренессанс оставил богатейшее наследие в виде живописных и скульптурных шедевров. На этих примерах можно судить о новаторских подходах в изображении лиц, фигур и сюжетных композиций.
«Мона Лиза» Леонардо да Винчи
Самой известной картиной эпохи Возрождения считается «Джоконда» да Винчи, которую еще называют «Мона Лиза» (1503). Знаменитое полотно выставлено в Лувре, но в 1911 году его похитили. Через время шедевр вернулся, но администрация музея в Париже тратит миллионы на охрану полотна.
Многие спорят о красоте безбровой девушки Лизы дель Джокондо с полуулыбкой. Тонкую линию бровей не смогли восстановить реставраторы 18-го века. Леонардо поспорил с учеником, что изобразит взгляд, который будет следить за каждым, стоящим в любой точке зала, и выиграл пари. Сегодня принято делать пародии и фотошопить один из лучших портретов эпохи Возрождения. Самая актуальная тема – всемирная пандемия.
«Тайная вечеря» Леонардо да Винчи
Этот шедевр нужно отнести не к картинам эпохи Возрождения, а к монументальным изображениям в виде фрески. Толпы туристов спешат в Доминиканский монастырь Санта-Мария-делле-Грацие в Милане, чтобы увидеть легендарный библейский сюжет накануне предательства Христа (1497) кисти великого Леонардо.
Существует поверье, что любое желание сбудется, если увидеть эту сцену в Пасхальную неделю в этом месте. Фреска осталась нетронутой при бомбежке во времена Второй мировой войны (другие стены трапезной были разрушены).
«Дама с горностаем» Леонардо да Винчи
Среди наиболее известных картин эпохи Возрождения самой спорной считается «Дама с горностаем» (1490). Некоторые утверждают, это не горностай, а фуро. Да и портрет писал не Леонардо да Винчи, а один из талантливых последователей, хотя манера очень сходная.
Скорее всего, правду никто не узнает. Но этим полотном очень гордится Краковская национальная галерея живописи.
«Мадонна в скалах» Леонардо да Винчи
Существует две версии одной из самых загадочных картин эпохи Возрождения. Одна «Мадонна в скалах» (1508) экспонируется в Национальной галерее Лондона, другая – алтарный образ Братства Непорочного Зачатия доминиканцев в Милане (1483 – заказ).
Авторство документально подтверждено экспертами, но из-за репродукции у Леонардо были трудности из-за судебного разбирательства с заказчиком. Но, согласитесь, «Мадонна в гроте с Ангелами» (другое название) здесь действительно девственно прекрасна!
«Сикстинская Мадонна» Рафаэль Санти
В Дрезденской галерее хранится шедевр, который затмевает другие знаменитые картины эпохи Возрождения. Картину Рафаэля «Сикстинская Мадонна» (1514) все знают – это хрестоматийный образ из учебников истории. Мадонна с младенцем – любимая тема знаменитого художника. У него много подобных работ, но эта, безусловно, лучше других шедевров!
Написано по заказу Папы Римского Юлия II, как алтарный образ монастыря Св.Сикста II в Пьяченце. Здесь всё прекрасно – Мать Иисуса Мария с младенцем на руках, Облако Свидетелей на заднем плане, Святые Сикст и Варвара (покровители церкви), а также тщательная прорисовка драпировок и облаков.
«Афинская школа» Рафаэль Санти
Никто из знаменитых художников на картинах эпохи Возрождения не смог освоить изображение перспективы, как делал Рафаэль. Его фреска в «Зале указов» Апостольского дворца в Ватикане визуально расширяет пространство (1511).
Одна из работ для комнат (стансов) дворца, которые олицетворяют 4 сферы духовного развития – мудрость, философию, поэзию и теологию.
«Донна Велата» Рафаэль Санти
«Женщина под покрывалом» или «Донна Велата» Рафаэля (1516) – одно из лучших примеров портретной живописи великих художников Возрождения.
На полотне – Форнарина, возлюбленная Рафаэля. Восхитительное изображение слегка повернутой головы, тонких пальцев, складок одежды и покрывала головы. Несомненно, это вариация темы изображения мадонны.
«Преображение» Рафаэль Санти
Пинакотека Ватикана – одно из самых богатых собраний знаменитых картин эпохи Возрождения. «Преображение» Рафаэля (1520) – одно из изображений, наиболее почитаемых в христианском мире (Зал VIII).
Иисус на горе преобразился перед своими ближайшими учениками, Иаковом, Иоанном и Петром. Народ внизу не понимает происходящего. Иисуса посетили ветхозаветние пророки – Моисей и Илия.
«Весна» Сандро Боттичелли
Все картины эпохи Возрождения отличаются особой манерой письма. Шедевры многих художников трудно спутать, благодаря особой технике живописи. Некоторые мастера долго развивали свой дар, совершенствуя мастерство, чтобы достичь такого уровня.
Ранние работы многих художников не вошли в мировую сокровищницу. Зато изображения зрелого периода безупречны, как эта «Весна» (1482, дворец Медичи во Флоренции), с ее мастерски прорисованными фигурами в полупрозрачных платьях.
«Рождение Венеры» Боттичелли
В галерее Уффици, во Флоренции, выставлена одна из самых знаменитых картин эпохи Возрождения – «Рождение Венеры» (1486). Сандро Боттичелли относится к плеяде самых ярких представителей Тосканской школы живописи, с их узнаваемой манерой и пристрастием к мифическим сюжетам.
Это образец женской красоты, согласно идеалам того времени. Живописцу позировала Симонетта Веспуччи из Лигурии.
Ты можешь выбрать картину любой тематики в галерее или заказать свою
«Сотворение Адама» Микеланджело
В числе самых знаменитых картин и фресок эпохи Возрождения обычно вспоминают «Сотворение Адама» Микеланджело (1511). О, эти руки! Над ними художник работал дольше всего. Заметно активное начало Бога-Отца и пассивное – Адама (вялый жест с загнутым пальцем).
Эта фреска находится в Сикстинской капелле Ватикана, куда ежедневно устремляются толпы туристов. Символ человечества, падшего после грехопадения, и Бога, желающего достичь погибающих душ.
«Страшный суд» Микеланджело
Картины эпохи Возрождения, преимущественно, на религиозную тематику, как этот «Страшный суд» (1541, Ватикан).
Чаще всего к знаменитым мастерам обращались очень обеспеченные заказчики – богатые вельможи, епископы, приближенные к Папе Римскому. Вероятно, их беспокоило грядущее возмездие, но они уповали на откуп по индульгенциям.
«Преображение (обращение) Святого Павла» Караваджо
Караваджо, несомненно, один из реформаторов, писавший непревзойденные шедевры. «Преображение Святого Павла» кисти Караваджо (1610, вторая версия) – известная тема из «Книги Деяний Святых Апостолов» (Библия).
Савл, имевший право преследования обращенных иудеев в эллинов, ставших Христианами, был повержен с коня и временно ослеплен Иисусом. Божий Сын устыдил его за неумеренную фарисейскую ревность, призвал служить и дал новое имя – Апостол Павел.
«Святой Иероним в раздумьях» Караваджо
Одна из картин с философским подтекстом о смысле бытия – «Святой Иероним в раздумьях» кисти великого Караваджо (1608). Художник проработал над шедевром около 7 лет, но считал его незавершенным.
Бесспорно, летописец с черепом – одна из лучших картин великих художников эпохи Возрождения. Она хранится в Соборе Святого Иоанна на Мальте, Валетта.
«Призвание Апостола Матфея» Караваджо
Удивительный луч света, проникшего в цокольный этаж, никто не смог так изобразить, как сделал Микеланджело Меризи да Караваджо. Другие мастера живописи пытались повторить тот же эффект, но на картинах художников Позднего Возрождения это выглядело лишь как слабое подражание, а этот заказ – подлинное украшение базилики Сан-Луиджи-деи-Франчези в Риме.
Очередной Библейский сюжет, где мытарь Левий, Старик и охранники «стяжателя налогов» в пользу Римской империи встретили Свет Истины. Христос призывает сборщика податей следовать за Ним (его будут знать как Апостола Матфея). Указующий жест копирует кисть руки Господа и Отца из «Сотворения Адама» Микеланджело.
«Взятие Христа под стражу» («Поцелуй Иуды») Караваджо
Развитие темы близкой дружбы и предательства можно увидеть на картинах эпохи Возрождения, но Караваджо превзошел мастеров прошлого.
Известный сюжет предательства Христа Иудой за 30 серебряных монет. Холст хранится в Национальной галерее Ирландии (Дублин).
«Успение Богородицы» Тициан
Любая картина Тициана эпохи Возрождения – подлинный шедевр. Это изображение – пик его творчества и первый крупный заказ в Венеции. Историки утверждают, что вельможа Карла V, видя недовольство францисканцев, оплатил работу, чтобы оставить яркие краски Тицина (состав неизвестен) в начальной версии.
Апостолы, замершие в разных позах, Ангелы, возносящие Мать Христа в красно-синей одежде, сверху наблюдает Господь Саваоф – краткое описание происходящего. Оно было написано для Санта-Мария-Глориоза-деи-Фрари, знаменитой церкви в Венеции (Италия).
Ты можешь выбрать картину любой тематики в галерее или заказать свою
«Тарквиний и Лукреция» Тициана и Рубенса – сравним
«Тарквиний и Лукреция» – популярный сюжет из истории Древнего Рима. Его можно встретить на картинах художников эпохи Возрождения. Сын римского царя намерен сдернуть покрывало с Лукреции, за ними наблюдают Амур и старая Фурия со змеей. У Тициана превосходно отражены эмоции и подобраны цвета, хотя полотно выглядит «недописанным» (музей Кембриджа, Великобритания).
Тот же сюжет с обнаженной натурой у Рубенса, который любил писать пышные бледные тела. В те времена полнота считалась признаком обеспеченной и вольготной жизни, отпечаток высокородного происхождения. Здесь меньше эмоций, но больше света (Эрмитаж).
«Венера Урбинская» Тициан
На картинах художников Возрождения редко можно видеть обнаженную натуру, расслабленно лежащую на ложе. Обычно художникам позволялось обнажать тела, если это оправдано сюжетом. Такое изображение считалось недопустимым, «скандальным» (1538, Галерея Уффици, Флоренция).
Это был заказ герцога Урбинского Гвидобальдо II делла Ровере. Его невеста-девственница Джулия Варано не имела права обнажаться до свадьбы. Позировала другая натурщица – одна из возлюбленных Тицина. Покои заказчика изображены со всей точностью, включая госпожу и служанку, подбирающую одежду в сундуках.
«Портрет молодой женщины перед зеркалом» Тициан
В музейной коллекции Лувра (Париж) представлено немало известных картин эпохи Возрождения, есть и полотна Тициана.
До сих пор не разгадан секретный состав его ярких красок, но именно они стали подтверждением авторства всех его оригиналов.
«Вознесение Девы Марии» Рубенс
Существует легенда, что не только Христос вознесся на Небо на виду у учеников, но и Мать Иисуса. Католики утверждают, что Мария была принята Ангелами на Небеса по факту телесной смерти.
Популярную в католицизме тему Рубенс обыграл по-своему. Хор Ангелов восхищает ее спиралевидным вихрем света. Двенадцать Апостолов находятся в благоговейном трепете. Одна из женщин держит цветок, которыми должна украсить гроб, но смертное ложе было пустым.
«Союз Земли и Воды» Рубенс
Узнаваемая манера Рубенса – воспеты обнаженные тела, взращиваемые в остатке, сытости и неге. Находящееся в Эрмитаже полотно «Союз Земли и Воды» (1618) символизирует эти стихии.
Взаимное притяжение женского и мужского начала – аллегорическая композиция. Немного развернутая фигура – влияние схематических изображений Древнего Египта. На картинах художников Возрождения этот поворот туловища отражен более натурально и привлекательно. Олицетворение плодородия – рог изобилия.
«Поклонение пастухов» Рубенс
Восхитительный шедевр, написанный 2-3 красками, изображающими «дивный Свет в ночи», исходящий от Сына Божьего, положенного в пелены в яслях (1608, Эрмитаж, Санкт-Петербург).
Здесь нечего сказать даже противникам Рубенса, которые не принимают его полнотелых фигур. На картине с Рождественским сюжетом все по-другому. Фигуры пастухов, волхвов и Ангелов, поклоняющихся Младенцу Христу, изображены не так, как на большинстве картин эпохи Возрождения.
«Похищение дочерей Левкиппа» Рубенс
Драматический сюжет о Касторе и Поллуксе (сыны Зевса и Леды) в момент похищения Гилайры и Фебы, дочерей царя Левкиппа.
Рубенс долго работал над колористикой и композицией. В итоге – шедевр, где показано, как сильные юноши пересаживают девушек, растерявших свои покрывала, на своих коней. Великолепную картину времен Ренессанса можно увидеть в Пинакотеке Мюнхена (1618).
«Поцелуй Иуды» Джотто
Втрое название изображения, находящегося в Капелле Сокровеньи – «Лобзание Иуды в Гефсиманском саду». Этот сюжет неоднократно впечатлял до глубины души простых людей и гениальных художников прошлого.
Сцена, где люди с мечами, палками, копями и факелами пришли взять Христа под стражу. «Агнец Божий» добровольно сдался, хотя у Него была сила – стража первосвященника упала от Его слов: «Я ЕСМЬ!». Не зная Иисуса в лицо, фарисеи просили Иуду указать на Учителя приветственным поцелуем, а потом переспросили, тот ли это Человек? С тех пор любое предательство дружбы называют «поцелуй Иуды».
«Сад земных наслаждений» – Триптих Иеронима Босха
Удивительная аллегория в трех частях, как сегодня принято называть, «модульных картин». Искусствоведы и толкователи разных времен так и не пришли к единому толкованию каждого фрагмента изображения (1510). Но музей Прадо в Мадриде очень гордится уникальным творением Иеронима Босха.
Это одна из самых загадочных картин эпохи Возрождения с тематикой символизма, о которой можно рассуждать часами.
«Триумф Венеры» Козимо Тура
Козимо Тура отличался особой манерой живописи и выбором холодной гаммы для своих гениальных полотен. Сложно понять смысл загадочной картины эпохи Возрождения, с ее лебедями и зайцами, странными одеждами на многочисленных персонажах.
«Триумф Венеры» (ок. 1490), языческой Богини, не вписывался в рамки католической ментальности, зато принимался без разногласий в светском обществе. «Бесспорно, шедевр!»
«Христос передает ключи Петру» Перуджино
Мало тех, кто знает художника Пьетро Перуджино, зато многим известна еще одна библейская сцена – «Христос передает ключи Петру» (1482, Ватикан).
Судя по текстам Евангелия, Христос говорил о передаче духовной власти. Но многие картины великих художников эпохи Возрождения дают версию прочитанного более буквально.
«Брак в Кане Галилейской» Веронезе
Библейские сюжеты были наиболее востребованными, судя по картинам художников Возрождения. Эксперты утверждают, что у Веронезе получилась наиболее масштабная, многолюдная и правдоподобная версия сцены превращения Иисусом воды в вино (1563, Париж, Лувр).
Судя по Библии, это было первое чудо, которое сотворил Спаситель, придя с учениками на свадебный пир. В водоносы налили воду, а оттуда слуги разливали «лучшее вино».
«Пир в доме Левия» Веронезе
Очередной шедевр Паоло Веронезе – «Пир в доме Левия» (1573). Масштабный холст 555х1280 см продолжает тему посещения массовых собраний Иисусом. В нем есть отголоски «Тайной вечери», если внимательно рассмотреть центральные фигуры. Это вызвало определенный скандал, поэтому ее переделали и переименовали. Галерея Академии художеств в Венеции очень ценит эту картину эпохи Возрождения с уникальным для того времени 3D изображением архитектурных форм.
Картины эпохи Возрождения заложили основание для европейской культуры XIV – ХХ в. Эти живописцы оказали мощное влияние на современное искусство, скульптуру, архитектуру и литературное творчество. Указанные шедевры украшают лучшие музейные собрания. Представленный ТОП-30 – далеко не полный перечень шедевров времен Ренессанса.
Художники Эпохи Возрождения. 6 великих итальянских мастеров
Эпоха Возрождения (Ренессанс). Италия. XV—XVI века. Ранний капитализм. Страной правят богатые банкиры. Они интересуются искусством и наукой.
Богатые и влиятельные собирают вокруг себя талантливых и мудрых. Поэты, философы, художники и скульпторы ведут ежедневные беседы со своими покровителями. В какой-то миг показалось, что людьми правят мудрецы, как того хотел Платон.
Вспомнили о древних римлянах и греках. Они тоже строили общество свободных граждан, где главная ценность — человек (не считая рабов, конечно).
Возрождение — это не просто копирование искусства древних цивилизаций. Это смешение. Мифологии и Христианства. Реалистичности натуры и душевности образов. Красоты физической и духовной.
Это была всего лишь вспышка. Период Высокого Возрождения – это примерно 30 лет ! С 1490-х годов до 1527 гг. С начала расцвета творчества Леонардо. До разграбления Рима.
Мираж идеального мира быстро померк. Италия оказалась слишком хрупкой. Она вскоре была порабощена очередным диктатором.
Однако эти 30 лет определили главные черты европейской живописи на 500 лет вперёд! Вплоть до импрессионистов.
Реалистичность изображения. Антропоцентризм (когда центр мира – Человек). Линейная перспектива. Масляные краски. Портрет. Пейзаж…
Невероятно, но в эти 30 лет творили сразу несколько гениальных мастеров. В другие времена они рождаются один в 1000 лет.
Леонардо, Микеланджело, Рафаэль и Тициан — титаны эпохи Возрождения. Но нельзя не упомянуть и о двух их предшественниках: Джотто и Мазаччо. Без которых бы никакого Возрождения и не было.
1. Джотто (1267—1337).
Паоло Уччелло. Джотто да Бондоньи. Фрагмент картины “Пять мастеров флорентийского Возрождения”. Начало XVI века. Лувр, Париж.
XIV век. Проторенессанс. Главный его герой — Джотто. Это мастер, который в одиночку совершил революцию в искусстве. За 200 лет до Высокого Возрождения. Если бы не он, эпоха, которой так гордится человечество, вряд ли бы наступила.
До Джотто были иконы и фрески. Они создавались по византийским канонам. Лики вместо лиц. Плоские фигуры. Несоблюдение пропорций. Вместо пейзажа — золотой фон. Как, например, на этой иконе.
Гвидо да Сиена. Поклонение волхвов. 1275—1280. Альтенбург, Музей Линденау, Германия.
И вдруг появляются фрески Джотто. На них объёмные фигуры. Лица благородных людей. Старые и молодые. Печальные. Скорбные. Удивленные. Разные.
Фрески Джотто в церкви Скровеньи в Падуе (1302—1305). Слева: Оплакивание Христа. Посередине: Поцелуй Иуды (фрагмент). Справа: Благовещение святой Анны (матери Марии), фрагмент.
Главное творение Джотто — это цикл его фресок в капелле Скровеньи в Падуе. Когда эта церковь открылась для прихожан, в неё хлынули толпы людей. Такого они никогда не видели.
Ведь Джотто сделал небывалое. Он перевёл библейские сюжеты на простой, понятный язык. И они стали гораздо доступнее обычным людям.
Джотто. Поклонение волхвов. 1303—1305. Фреска в Капелле Скровеньи в Падуе, Италия.
Именно это будет свойственно многим мастерам Эпохи Возрождения. Лаконичность образов. Живые эмоции персонажей. Реалистичность.
О фресках мастера читайте подробнее в статье “Джотто. Между иконой и реализмом Возрождения”.
Джотто восхищались. Но его новаторство развивать дальше не стали. В Италию пришла мода на интернациональную готику.
Только через 100 лет появится достойный продолжатель Джотто.
2. Мазаччо (1401—1428).
Мазаччо. Автопортрет (фрагмент фрески “Святой Петр на кафедре”). 1425—1427. Капелла Бранкаччи в церкви Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция, Италия.
Начало XV века. Так называемое Раннее Возрождение. На сцену выходит ещё один новатор.
Мазаччо был первым художником, который использовал линейную перспективу. Ее разработал его друг, архитектор Брунеллески. Теперь изображенный мир стал похож на реальный. Игрушечная архитектура осталась в прошлом.
Мазаччо. Святой Петр исцеляет своей тенью. 1425—1427. Капелла Бранкаччи в церкви Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция, Италия.
Он перенял реализм Джотто. Однако в отличие от предшественника уже хорошо знал анатомию.
Вместо глыбообразных персонажей Джотто — прекрасно сложенные люди. Совсем как у древних греков.
Мазаччо. Крещение неофитов. 1426—1427. Капелла Бранкаччи, церковь Санта-Мария дель Кармине во Флоренции, Италия.
Также Мазаччо добавил выразительности не только лицам, но и телам. Эмоции людей мы уже читаем по позам и жестам. Как, например, мужское отчаяние Адама и женскую пристыженность Евы на самой знаменитой его фреске.
Мазаччо. Изгнание из Рая. 1426—1427. Фреска в Капелле Бранкаччи, церковь Санта-Мария дель Кармине, Флоренция, Италия.
Мазаччо прожил недолгую жизнь. Он умер, как и его отец, неожиданно. В 27 лет.
Однако последователей у него было много. Мастера следующих поколений ходили в капеллу Бранкаччи, чтобы учиться по его фрескам.
Так новаторство Мазаччо было подхвачено всеми великими художниками Высокого Возрождения.
О фреске мастера читайте в статье “Изгнание из Рая” Мазаччо. Почему это шедевр”.
3. Леонардо да Винчи (1452—1519).
Леонардо да Винчи. Автопортрет. 1512. Королевская библиотека в Турине, Италия.
Леонардо да Винчи — один из титанов Эпохи Возрождения. Он колоссальным образом повлиял на развитие живописи.
Именно да Винчи повысил статус самого художника. Благодаря ему представители этой профессии отныне не просто ремесленники. Это творцы и аристократы духа.
Леонардо сделал прорыв в первую очередь в портретной живописи.
Он считал, что ничто не должно отвлекать от главного образа. Взгляд не должен блуждать от одной детали к другой. Так появились его знаменитые портреты. Лаконичные. Гармоничные.
Леонардо да Винчи. Дама с горностаем. 1489—1490. Музей Черторыйских, Краков.
Главное же новаторство Леонардо — это то, что он нашёл способ сделать образы … живыми.
До него персонажи на портретах были похожи на манекены. Линии были чёткими. Все детали тщательно прорисованы. Раскрашенный рисунок никак не мог быть живым.
Леонардо изобрел метод сфумато. Он растушевал линии. Сделал переход от света к тени очень мягким. Его герои словно покрыты еле уловимой дымкой. Персонажи ожили.
Леонардо да Винчи. Мона Лиза. 1503—1519. Лувр, Париж.
Сфумато войдёт в активный словарь всех великих художников будущего.
Часто встречается мнение, что Леонардо, конечно, гений, но не умел ничего довести до конца. И картины часто не дописывал. И многие его проекты так и остались на бумаге (между прочим, в 24 томах). И вообще его бросало то в медицину, то в музыку. Даже искусством сервировки одно время увлекался.
Однако сами подумайте. 19 картин — и он — величайший художник всех времён и народов. А кто-то даже близко не стоит по величию, при этом написав 6000 полотен за жизнь. Очевидно же, у кого КПД выше.
О самой знаменитой картине мастера читайте в статье “Мона Лиза Леонардо да Винчи. Загадка Джоконды, о которой мало говорят”.
4. Микеланджело (1475—1564).
Даниеле да Вольтерра. Микеланджело (фрагмент). 1544. Музей Метрополитен, Нью-Йорк.
Микеланджело считал себя скульптором. Но был универсальным мастером. Как и другие его коллеги Эпохи Возрождения. Поэтому его живописное наследие не менее грандиозно.
Он узнаваем прежде всего по физически развитым персонажам. Он изображал совершенного человека, в котором физическая красота означает красоту духовную.
Поэтому все его герои такие мускулистые, выносливые. Даже женщины и старики.
Микеланджело. Фрагменты фрески “Страшный суд” в Сикстинской капелле, Ватикан.
Часто Микеланджело писал персонажа обнаженным. А потом уже сверху дописывал одежду. Чтобы тело было максимально рельефным.
Потолок Сикстинской капеллы он расписывал в одиночку. Хотя это несколько сотен фигур! Он даже краски растирать никому не позволял. Да, он был нелюдимым. Обладал крутым и неуживчивым характером. Но больше всех он был недоволен … собой.
Микеланджело. Фрагмент фрески “Сотворение Адама”. 1511. Сикстинская капелла, Ватикан.
Микеланджело прожил долгую жизнь. Пережил угасание Возрождения. Для него это было личной трагедией. Поздние его работы полны печали и скорби.
Вобще творческий путь Микеланджело уникален. Ранние его работы — это восхваление человека-героя. Свободного и мужественного. В лучших традициях Древней Греции. Как его Давид.
В последние годы жизни — это трагические образы. Намеренно грубо отесанный камень. Как будто перед нами памятники жертвам фашизма XX века. Посмотрите на его “Пьету”.
Скульптуры Микеланджело в Академии изящных искусств во Флоренции . Слева: Давид. 1504 г. Справа: Пьета Палестрины. 1555 г.
Как такое возможно? Один художник за одну свою жизнь прошёл все этапы искусства от эпохи Возрождения до XX века. Что же делать последующим поколениям? Идти своим путём. Осознавая, что планка поднята очень высоко.
5. Рафаэль (1483—1520).
Рафаэль. Автопортрет. 1506. Галерея Уффици, Флоренция, Италия.
Рафаэль никогда не был в забвении. Его гениальность признавали всегда: и при жизни, и после смерти.
Его герои наделены чувственной, лиричной красотой. Именно его Мадонны по праву считаются самыми прекрасными женскими образами, когда-либо созданными. Внешняя красота отражает и душевную красоту героинь. Их кротость. Их жертвенность.
Рафаэль. Сикстинская Мадонна. 1513. Галерея старых мастеров, Дрезден, Германия.
Знаменитые слова “Красота спасёт мир” Фёдор Достоевский сказал именно о Сикстинской Мадонне. Это была его самая любимая картина.
Однако чувственные образы — это не единственная сильная сторона Рафаэля. Он очень тщательно продумывал композиции своих картин. Он был непревзойдённым архитектором в живописи. Причём всегда находил самое простое и гармоничное решение в организации пространства. Кажется, что по-другому и быть не может.
Рафаэль. Афинская школа. 1509—1511. Фреска в станцах Апостольского дворца, Ватикан.
Рафаэль прожил всего 37 лет. Он умер внезапно. От подхваченной простуды и врачебной ошибки. Но его наследие трудно переоценить. Многие художники боготворили этого мастера. И множили его чувственные образы в тысячах своих полотен.
О самых знаменитых картинах Рафаэля читайте в статье “Портреты Рафаэля. Друзья, возлюбленные, покровители”.
6. Тициан (1488-1576).
Тициан. Автопортрет (фрагмент). 1562. Музей Прадо, Мадрид.
Тициан был непревзойдённым колористом. Также он много экспериментировал с композицией. Вообще он был дерзким новатором.
За такую яркость таланта его все любили. Называли “королем живописцев и живописцем королей”.
Говоря о Тициане, хочется после каждого предложения ставить восклицательный знак. Ведь именно он привнёс в живопись динамику. Пафос. Восторженность. Яркий колорит. Сияние красок.
Тициан. Вознесение Марии. 1515—1518. Церковь Санта-Мария Глориози деи Фрари, Венеция.
К концу жизни он выработал необычную технику письма. Мазки быстрые, густые. Краску наносил то кистью, то пальцами. От этого — образы ещё более живые, дышащие. А сюжеты — ещё более динамичные и драматичные.
Тициан. Тарквиний и Лукреция. 1571. Музей Фицуильяма, Кэмбридж, Англия.
Вам это ничего не напоминает? Конечно, это техника Рубенса. И техника художников XIX века: барбизонцев и импрессионистов. Тициан, как и Микеланджело, пройдёт 500 лет живописи за одну свою жизнь. На то он и гений.
О знаменитом шедевре мастера читайте в статье “Венера Урбинская Тициана. 5 необычных фактов”.
Художники эпохи Возрождения — это обладатели больших знаний. Чтобы оставить такое наследие, нужно было очень многое изучить. В области истории, астрологии, физики и так далее.
Поэтому каждый их образ заставляет нас задумываться. Для чего это изображено? Какое здесь зашифровано послание?
Они почти никогда не ошибались. Потому что досконально продумывали своё будущее произведение. Использовали весь багаж своих знаний.
Они были больше, чем художники. Они были философами. Объясняли нам мир с помощью живописи.
Вот почему они будут нам всегда глубоко интересны.
***
Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.
Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.
Автор: Оксана Копенкина
Перейти на главную страницу
Английская версия статьи
Вконтакте
Одноклассники
Похожее
Эпоха Возрождения. Фотография до фотографии
Очевидно, что эпоха Возрождения самоопределилось прежде всего в сфере художественного творчества. При этом особенно изобразительное искусство понимается теперь как универсальный язык, позволяющий познать тайны «божественной Природы». Подражая природе, воспроизводя ее не по-средневековому условно, а именно натурально, художник вступает в соревнование с Верховным Творцом. Попытки сделать картины документально-реалистичными предпринимались ещё в античности, но массово приблизились к цели художники только в позднем Средневековье, а окончательно достигли результата — в эпоху Ренессанса. Появление сверхреалистичных картин связывают с изобретением камеры-обскуры и камеры-люциды. Оба устройства позволяют проецировать изображение в специальный прибор и затем срисовывать его: только в первом случае используется зеркало под углом, во втором — четырёхгранная призма.
Для художников камера-обскура стала приносить большую практическую пользу. Такой прибор надежно служил для механической зарисовки предметов внешнего мира и изучения законов перспективы. Перевернутое изображение достаточно было с помощью зеркала поставить прямо и обвести карандашом на листе бумаги. Стало возможным пользоваться камерой-обскурой на природе, и для этой цели в семнадцатом веке были модифицированы закрытые кресла и тенты. Это была «фотография до фотографии» .
Судя по всему, первым использовать камеру-обскуру для зарисовок с натуры стал Леонардо да Винчи, а изобразительное искусство шестнадцатого столетия, особенно в Венеции и Северной Италии, отразило огромный интерес к оптическим явлениям, и в семнадцатом столетии он стал почти всеобщим. Архитекторы, сценографы, скульпторы стали жертвами любви к иллюзии. Фантазия видения художников была безгранична. Некоторые голландцы — Карел Фабрициус, Ян Вермеер, Сэмуэль ван Хугстратен — и испанец Веласкес шли даже дальше воспринимаемых возможностей невооруженного глаза и рисовали явления, которые можно было видеть лишь с помощью зеркала или линз.
Особенность творческого процесса Вермеера заключалась в том, что он не пользовался подготовительными рисунками, а создавал композицию сразу на холсте. О том, что художник сознательно стремился достичь совершенной уравновешенности, фотографической точности и ясности композиции, говорят многочисленные — и весьма существенные! — исправления, обнаруженные почти в каждой его картине при рентгеновском или радиографическом исследовании. Вермеер был сумасшедшим перфекционистом, буквально помешанным на совершенстве, — писал по две картины в год.
Живопись Вермеера отличает особая сила впечатления стереометричности интерьеров, повышенная осязаемость фактуры предметов, необычайная чистота цветов, четкость силуэтов, созданных сильным контрастом света и тени. Этих оптических эффектов художник добивался, используя камеру-обскуру. Чтобы точнее провести сокращающиеся в перспективе линии (плиток пола, оконных рам и пр.), художник сначала намечал их по натянутым нитям, крепившимся к иголке в точке схода — маленькие проколы в этих местах в разных картинах указали на такую практику.
Ян Вермеер Дельфтский (1632-1675).Молочница. 1658.Астроном. 1668.
Свет, его взаимодействие с предметами, фигурами и пространством — вот ведущая художественная тема творчества Вермера, и на этом пути он выступил истинным новатором. Художник писал картины с натуры при естественном дневном освещении и стал использовать технику цветных теней и рефлексов (в то время как его голландские современники предпочитали полутемные интерьеры и изображали тени или темные оттенки, используя разведенную черную или коричневую краску). Стремясь достичь тончайших эффектов мерцания и бликов света на разных поверхностях, Вермер прибегал к нанесению краски отдельными точечными капельками. Эти приемы значительно отличались от техники эмалево-гладкого письма, характерного для других голландских живописцев. Картина Вермеера «Девушка в красной шляпе», например, представляется нам так, будто сделана фотокамерой, которая дает «беспорядочные круги» вокруг ярко освещенных мест, когда не каждый луч в потоке света четко сфокусирован. Можно с уверенностью сказать, что камера-обскура помогла художнику в исследовании особенностей освещения и игры света и тени при работе над этой картиной.
В его колорите доминируют любимые лимонно-желтый и сине-голубой, причем последний он писал, широко используя натуральный ультрамарин, получаемый из ляпис-лазури. Этот пигмент, представлявший растертый в порошок полудрагоценный минерал, был очень дорогим, и огромное большинство голландцев его вообще не использовали в своей палитре. Противопоставление теплых и холодных оттенков на свету и в тени является одним из важных качеств реалистической живописи. В комнате обращенные к окну стороны предметов всегда освещаются холодным светом. Теневые стороны приобретают более теплый оттенок, отраженный от стен и потолка. Под открытым небом предметы освещаются теплым солнечным светом, а тени отражают холодные оттенки синего неба. Этим приемом пользуются и сейчас фотографы при обработке цифровых фотографий.
Применяя камеру-обскуру в своих городских видах, Вермер достигает удивительной, почти фотографической объективности, соединив ее с привычной своей мягкой поэзией.
Девушка в красной шляпе. 1665-1667.Вид Дельфта. 1661.Маленькая улочка. 1657-1661.
«Вид Делфта» по праву считается одним из шедевров пейзажной живописи. Автор отважился здесь на очень опасный шаг — он погрузил в тень передний план пейзажа. На ближний к зрителю ряд домов падает тень от свинцовых облаков, плывущих по небу. Только художник, в совершенстве владеющий искусством создавать эффекты освещения, может заставить такую композицию «заиграть». Вермер уверенно ведет взгляд зрителя к фокальной точке композиции — шпилю Новой церкви, на которую падает пробивающийся сквозь облака солнечный луч. Интересно решены также и отражения зданий в воде. Они слишком велики, но это-то и требовалось мастеру. Без этих отражений передний план оказался бы изолированным от остального пространства картины, с точными деталями, но при этом словно дистиллированного, из которого убрано все ненужное, весь хаос и вся бестолковая суета вещного мира.
Что касается содержательной стороны произведений, то одним из самых распространенных способов расширить смысловой контекст сцены у Вермера выступает прием изображения «картины в картине». Интересно отметить, что все такие картины на полотнах Вермера (как, например, «Улочка в Делфте») отождествляются с реально существующими или позволяют указать на их реальные прототипы, и в свое время они находились в доме художника.
В XVIII веке в европейской живописи становиться популярным жанр ведуты (ит. veduta, букв. — «увиденная»), представляющий собой картину, рисунок или гравюру с детальным изображением повседневного городского пейзажа. Величайшим ведутистом считается итальянец Джованни Антонио Канале, по прозвищу Каналетто.
Мир, созданный Каналетто, поражает своим колоритом, топографической точностью и ароматом «живой» жизни. Но особое очарование полотнам художника придает искусно написанный свет. Они, эти полотна, словно светятся изнутри. Современники Каналетто считали художника непревзойденным реалистом. Для любого воспитанного в классических традициях художника высшим достижением было умение правдиво изобразить реальность, даже если при этом приходилось прибегать к иллюзионистским приемам. Поклонники Каналетто объясняют его небывалый реализм тем, что он пользовался камерой-обскурой. Он применял этот аппарат в целях точного копирования «реальности». Позже подобную практику сочли не слишком уместной, утверждая, что она свидетельствует о недостаточности художественного дарования.
Джованни Антонио Канале (1697-1768).Рио деи Мендиканти: вид с юга, 1725.Венеция, Праздник Св. Рока, ок. 1735.
Но поначалу камера-обскура вызывало сплошные восторги, но Каналетто, впрочем, обращался с ней творчески. Известно, что он не очень доверял техническим новинкам. Рисунки художника свидетельствуют о том, что он часто использовал линейку и циркуль, явно предпочитая их громоздкой камере. Кроме того, камера-обскура работала лишь при ярком свете; сам же художник при этом должен был сидеть с накрытой одеялом головой. Условия, таким образом, были не самыми идеальными для копирования контуров очередной ведуты. Каналетто прибегал к помощи камеры-обскуры весьма осторожно. И эта практика предполагала, что техническое новшество не должно ограничивать творческую волю художника. Как только тут намечался конфликт, выбор тут же делался в пользу художнической свободы.
Площадь ди Риальто, ок. 1758-63.Набережная Рива дельи Скьявоне, 1730.Площадь Сан Марко, 1730.
Композиции Каналетто часто составлены из видов, взятых под разными ракурсами. Это своеобразное мозаичное зрение бросается в глаза в его панорамах, скомпонованных под «невозможным» углом в 180°, что вызывает дополнительный элемент сходства с панорамной фотографией. Еще заметнее эта особенность перспективы Каналетто в обычных (не панорамных) видах. Так, на картине «Рио деи Мендиканти: вид с юга» фасад церкви Сан-Лаззаро развернут вверх так, словно художник смотрит на него с точки, отнесенной вправо от центра композиции. Подобные тонкие манипуляции с перспективой можно обнаружить в работе «Венеция, Праздник Св. Рока» (ок. 1735). Написанная площадь не превышает в ширину двадцати метров, и для того чтобы увидеть ее такой, какой она изображена на картине, художнику пришлось бы висеть на стене здания. Обманывают нас и здешние тени. Праздник, ставший темой картины, происходит в августе, а в этом месяце солнечный свет не может падать с той стороны, с которой он падает на полотне. Выполнение подобных художественных трюков доступно только живописцу, отлично знающему все тонкости обращения с перспективой и умеющему «лепить» в целое несколько изображений.
Сохранившиеся рисунки Каналетто позволяют проследить процесс создания описанной искаженной перспективы. Художник рисовал для этого один и тот же объект с разных точек, а затем как бы «суммировал» их, творя собственное головокружительное пространство. Но при этом он, разумеется, не был пустым фантазером и не экспериментировал ради самого экспериментаторства. У Каналетто все нарушения логики строго мотивированы. Острота и точность его взгляда, а может, и камера-обскура, фиксирует говорящие детали — блики на фасаде каменного здания, строительные леса на крыше, обвалившуюся штукатурку, водную рябь на поверхности канала. Он писал не абстрактный образ Венеции, но живой, меняющийся у него на глазах город. Сегодня камера-абскура художника хранится в Венеции в городском музее Коррера.
Современники Микеланджело Меризи да Каравджо были поражены его талантом. Он рисовал очень реально, его картины были наполнены драматизмом и были весьма оригинальны. Он рисовал вопреки религиозным стандартам, которые существовали в то время. Конечно же, находились и противники его творчества, которые считали, что он изображает святых очень приземленно. Так, его картина «Святой Матфей и ангел» была отвергнута служителями церкви как недостойная.
Микеланджело Меризи да Каравджо.Блаженство святого Франциска, 1595.Шулеры, 1596.
Хотя не сохранилось прямых свидетельств, ученые давно подозревали, что знаменитый итальянский художник Караваджо при создании своих удивительных реалистических полотен пользовался техникой фотографии. Недавно на его холстах были обнаружены следы соли ртути, которая, как известно, является светочувствительным веществом и используется при изготовлении фотопленки.
Исследователи творчества великого живописца с большой уверенностью заявляют, что Караваджо был одним из первых живописцев, использовавших технику «камеры-обскуры». Он проделал в потолке своей мастерской дыру, свет из которой освещал его модель. Потом изображение проецировалось на холст с помощью линз и зеркал.
Маленький больной Вакх, 1593.Медуза Горгона, 1598-1599.Давид и Голиаф, 1601.
Недавно исследователь из флорентийского Института SACI Роберта Лапуччи заявила, что Караваджо покрывал холст «пленкой» из светочувствительных материалов для того, чтобы запечатлеть на ней изображение. «Фотография» исчезала через тридцать минут, и живописцу было необходимо за это время сделать набросок. Для этого художник использовал смесь свинцовых белил с различными химикатами и минералами. Эти вещества светились в темноте, что помогало ему писать полотна в своей «камере-обскуре». Ученый сделала предположение, что Караваджо добавлял в смесь порошок из светлячков. В те годы такой порошок использовался для создания спецэффектов в театрах.
Одним из главных составляющих флуоресцирующей смеси была ртуть. Известно, что это ядовитое вещество оказывает пагубное воздействие на здоровье человека, в том числе на работу центральной нервной системы. Люди, чей организм постоянно подвергается воздействию ртути, часто бывают очень раздражительными, и Караваджо не был исключением. Художник славился своим буйным темпераментом. Он постоянно устраивал драки, а однажды даже убил одного из своих врагов, молодого человека по имени Рануччо Томассони.
Роберта Лапуччи считает, что идею создавать «фотографии» художнику подсказал его друг — известный физик Джованни Баттиста делла Порта. Караваджо много общался с учеными, занимающимися вопросами оптики. По мнению Лапуччи, новое открытие объясняет тот факт, что Караваджо не оставил предварительных набросков. Кроме того, ее теория дает основания предположить, почему многие персонажи картин художника являются левшами. Как говорит исследователь, это объясняется тем, что при создании своих произведений он использовал зеркала.
Отдельно стоит отметить, как художник с помощью света решают чисто фотографические задачи. Свет на большинстве картин направлен на объект сверху, при этом каждый раз создается присущий только этому направлению света теневой рисунок, влияющий на восприятие картины зрителем. Караваджо использует образующуюся тень как композиционный элемент картины, чтобы соединить в единое целое её разрозненные части и придать ей композиционную завершенность.
Картины эпохи Возрождения и их авторы: самые известные полотна
«Весна» Сандро Боттичелли: Flickr
Эпоха Ренессанса подарила миру много громких имен. Да Винчи, Микеланджело, Рафаэль и другие художники оставили потомкам истинные шедевры изобразительного искусства, которыми люди восхищаются до сих пор. Расскажем о десяти самых выдающихся.
Какие картины эпохи Возрождения самые известные? Символами Ренессанса считаются полотна Леонардо да Винчи «Мона Лиза», «Тайная вечеря», «Рождение Венеры» Боттичелли, «Сикстинская мадонна» Рафаэля, «Сотворение Адама» Микеланджело, «Вознесение Марии» Тициана, «Сад земных наслаждений» Босха, «Похищение дочерей Левкиппа» Рубенса, «Поцелуй Иуды» Джотто и Караваджо и многие другие.
«Мона Лиза» Леонардо да Винчи
Загадочная «Мона Лиза» — самая знаменитая картина эпохи Ренессанса. Считается, что моделью для Леонардо была Лиза Герардини — супруга флорентийского торговца шелком Франческо дель Джокондо, который восхищался работами художников своего времени и мечтал о портрете возлюбленной. Отсюда и другое название полотна — «Джоконда».
Читайте также
Человек Леонардо да Винчи: в чем его загадка
«Мона Лиза» Леонардо да Винчи: Wikipedia/Louvre
В чем уникальность картины «Мона Лиза» да Винчи? Искусствовед и историк Алексей Дживелегов писал, что для автора этот труд был особенным. Он годами работал над портретом и отзывался о нем с особой страстью. Из-за этого существует предположение, что да Винчи был тайно влюблен в эту женщину.
Впрочем, художник мог очень гордиться данной работой. Искусствовед Михаил Алпатов отмечал, что картина наделена превосходной композицией и игрой светотени. Сегодня «Мона Лиза», созданная в начале XVI века, хранится в парижском Лувре под стеклянным колпаком.
«Тайная вечеря» Леонардо да Винчи
«Тайная вечеря» Леонардо да Винчи: Wikipedia/Santa Maria delle Grazie
Монументальная роспись да Винчи, получившая название «Тайная вечеря», украсила торцевую стену трапезной доминиканского монастыря Санта-Мария-делле-Грацие (Милан, Италия) еще в конце XV столетия. На ней изображена последняя трапеза Иисуса Христа с апостолами.
Читайте также
Винтажные платья: кому подходят и с чем сочетать
Чем интересна «Тайная вечеря» Леонардо да Винчи? Согласно сюжету полотна, Иисус делится с учениками пророческими словами о том, что один из них предаст его. Да Винчи проявил себя тонким психологом и показал реакцию каждого апостола, исходя из документальных сведений о его характере. Тем временем сам Иисус тянется к вину и хлебу, которые впоследствии стали главными символами христианского таинства евхаристии.
«Рождение Венеры» Сандро Боттичелли
«Рождение Венеры» Боттичелли: Wikipedia/Uffizi
В чем особенность картины «Рождение Венеры»? Полотно итальянского живописца Боттичелли иллюстрирует миф о рождении богини Венеры, согласно которому она появилась из морской пены. В левой части картины — боги весны, подгоняющие раковину Венеры к берегу, где ее встречает одна из граций (богинь радости).
Читайте также
Мода 80-х: главные тренды и особенности
При создании картины автор вдохновлялся античными скульптурами. Сегодня работа хранится в галерее Уффици (Флоренция).
«Сикстинская мадонна» Рафаэля Санти
«Сикстинская мадонна» Рафаэля: Wikipedia/Gemäldegalerie Alter Meister
Эта работа итальянского художника принята за образец живописной школы Ренессанса. С 1754 года труд хранится в Галерее старых мастеров в Дрездене, где часто останавливалась русская интеллигенция. Поэтому, отмечает историк искусств Кира Долинина, упоминание картины можно встретить в произведениях Жуковского, Фета, Достоевского.
Чем интересна «Сикстинская мадонна» Рафаэля? Работа выполнена на холсте, а не на доске, как это было принято в начале XVI века. Скорее всего, это обусловлено немалым размером картины — 265х196. На ней изображена Мадонна с младенцем в окружении папы Сикста II и святой Варвары. «Божественность» картины контрастирует с нарочито обыкновенным карнизом. Эта тщательно прописанная деталь и скрытая в ней загадка обсуждаются по сей день.
Читайте также
Юбер де Живанши: вклад в моду и особенности коллекций дизайнера
«Сотворение Адама» Микеланджело Буонарроти
«Сотворение Адама» Микеланджело Буонарроти: Wikipedia/Sistine Chapel
Данная фреска — четвертая из девяти композиций, украшающих потолок Сикстинской капеллы. Каждая из них посвящена одному из девяти сюжетов книги Бытия. Чем особенна работа «Сотворение Адама» Микеланджело? В картине автор обыгрывает слова Библии: «И сотворил Бог человека по образу своему». Внимание сконцентрировано на жесте: Бог в белых одеждах протягивает руку Адаму, лежащему на скале, будто вдыхая в него жизнь.
«Сад земных наслаждений» Иеронима Босха
«Сад земных наслаждений» Иероним Босх: Wikipedia/Museo del Prado
Триптих «Сад земных наслаждений» — самая известная работа нидерландского художника. Автор посвятил ее греху сладострастия.
Чем удивительна картина Иеронима Босха «Сад земных наслаждений»? Работа состоит из трех частей:
- Левая изображает безмятежный рай, Бога и Адама с Евой.
- Центральная часть — олицетворение жизни человека. В ней через множество деталей передан человеческий опыт от рождения до загробной жизни.
- Справа видим подобие ада с его жуткими пыточными машинами и мрачным пейзажем.
Читайте также
Винтажный стиль в одежде женщин и мужчин
«Вознесение Марии» Тициана Вечеллио
«Вознесение Марии» Тициан: Wikipedia/Santa Maria Gloriosa dei Frari
Чем знаменита картина «Вознесение Марии» Тициана Вечеллио? «Ассунта» (оригинальное название работы) украсила главный алтарь венецианского собора Санта-Мария Глориоза деи Фрари.
Масштабы картины (6,9 м на 3,6 м) поражают воображение. Она состоит из трех уровней:
- Внизу — апостолы, с надеждой взирающие в небеса.
- В центре композиции — Дева Мария.
- Сверху — Бог-Отец с приготовленной для Марии короной.
Любопытно, что Тициан не хотел браться за эту работу. Ему практически насильно вручили аванс за нее. Однако именно «Ассунта» принесла ему мгновенную славу.
«Поцелуй Иуды» («Взятие Христа под стражу») Джотто ди Бондоне
«Поцелуй Иуды» Джотто ди Бондоне: Wikipedia/Scrovegni Chapel
В отличие от названных выше работ, эта фреска была создана на несколько столетий раньше — в 1306 году. Чем особенна работа «Поцелуй Иуды» Джотто ди Бондоне? От других картин начала XIV века ее отличает невероятный драматизм. Автор изобразил момент предательства Иуды, наделив персонажей картины узнаваемыми чертами и характерами:
Читайте также
Таня Робертс: биография актрисы, сыгравшей девушку Бонда
- спокойный и прекрасный Иисус;
- неприятный и подлый Иуда;
- суровые стражники, готовые схватить того, кого поцелует апостол-предатель.
Этот подход в изображении библейских сюжетов стал новаторским и обеспечил автору признание.
«Поцелуй Иуды» («Взятие Христа под стражу») Микеланджело Караваджо
«Поцелуй Иуды» Караваджо: Wikipedia/National Gallery of Ireland
Свой взгляд на знаменитый библейский мотив спустя почти 300 лет после Джотто предложил другой итальянский художник. Чем интересна работа «Поцелуй Иуды» Микеланджело Караваджо? Автор отошел от классической ренессансной манеры в живописи:
- его герои не статичны;
- выражения лиц не передают внутренних переживаний;
- палитра более мрачная.
Оригинал картины находится в Дублине (Ирландия), а ее точная копия — в Одессе (Украина). Любопытно, что именно «одесская версия» долгое время считалась оригиналом. В 2008-м она была похищена, разразился скандал, но спустя два года картину нашли и вернули.
Читайте также
Леонардо да Винчи: биография, интересные факты
«Похищение дочерей Левкиппа» Питера Рубенса
«Похищение дочерей Левкиппа» Рубенса: Wikipedia/Alte Pinakothek
Питера Пауля Рубенса называют певцом человеческого тела, и данная картина объясняет почему. В чем особенность работы «Похищение дочерей Левкиппа» Рубенса? За основу автор взял сюжет древнегреческого мифа. Согласно ему, братья Диоскуры похищают беззащитных женщин, тщетно просящих помощи у богов. Такой драматичный мотив в работе художника обрел легкую и эстетичную трактовку, которая определяет его уникальный стиль.
Эпоха Возрождения подарила миру шедевры, которые можно до бесконечности изучать и находить скрытые смыслы. Те, что сохранились до наших времен, тщательно оберегаются для следующих поколений.
Оригинал статьи: https://www.nur.kz/family/school/1784058-kartiny-epohi-vozrozdenia-i-ih-avtory/
40 фотографий, которые выглядят как картины эпохи Возрождения
В Твиттере появился новый забавный тред. В нём девушка собирает обычные фотографии, которые выглядят как картины эпохи Возрождения. Она называет это «случайный Ренессанс» — хотя некоторые фото очевидно постановочные, расположение людей и композиция не предполагали такого эффекта.
i’m pleased to introduce y’all to my newest obsession
—
—
—
accidental renaissance photos: a thread pic.twitter.com/uBG2aDqTxw— liyu🧃 (@tsukkiskys) November 30, 2020
the compositions are just. muah pic.twitter.com/f61wq2rWdI
— liyu🧃 (@tsukkiskys) November 30, 2020
Композиция — просто восторг.
there is passion. there is aggression. pic.twitter.com/kIW1xMGMwd
— liyu🧃 (@tsukkiskys) November 30, 2020
Вот это страсть. Вот это агрессия.
JUST LOOK pic.twitter.com/qJh4NHp62C
— liyu🧃 (@tsukkiskys) November 30, 2020
ТОЛЬКО ПОСМОТРИТЕ НА ЭТО.
THE LIGHTING. THE PROPORTIONS pic.twitter.com/GiIO3ZgPNW
— liyu🧃 (@tsukkiskys) November 30, 2020
КАКОЙ СВЕТ. КАКИЕ ПРОПОРЦИИ.
pic.twitter.com/3jmf2s1E5K
— liyu🧃 (@tsukkiskys) November 30, 2020
pic.twitter.com/xbV3SEnuus
— liyu🧃 (@tsukkiskys) November 30, 2020
sumn bout the vibes pic.twitter.com/nDstJGdAz0
— liyu🧃 (@tsukkiskys) November 30, 2020
look chickens pic.twitter.com/13RgN0lZJV
— liyu🧃 (@tsukkiskys) November 30, 2020
Смотрите: курицы!
please tell me i’m not the only one pic.twitter.com/dhuBB8XJ4o
— liyu🧃 (@tsukkiskys) November 30, 2020
Пожалуйста, скажите, что это вижу не только я.
the slight chaos just pulls everything together pic.twitter.com/ZHJJHuRpdc
— liyu🧃 (@tsukkiskys) November 30, 2020
Немного хаоса делает всё лучше.
the aura pic.twitter.com/wdXwNU0T5y
— liyu🧃 (@tsukkiskys) November 30, 2020
Вот это атмосфера.
LOOK LOOK LOOK pic.twitter.com/1chynkBymV
— liyu🧃 (@tsukkiskys) November 30, 2020
Только посмотрите на это!
i’m never gonna stop gushing about this pic.twitter.com/ywcrILoTCN
— liyu🧃 (@tsukkiskys) November 30, 2020
Мне никогда не надоест.
never ever pic.twitter.com/QClG7oL6TV
— liyu🧃 (@tsukkiskys) November 30, 2020
Никогда.
and how could i forget this iconic picture of justin bieber pic.twitter.com/o3mCDfGEZh
— liyu🧃 (@tsukkiskys) December 1, 2020
Как я могла забыть про это легендарное фото Джастина Бибера?
Читайте также 🧐
25 современных фотографий, которые тяжело отличить от картин эпохи Возрождения
Искусство — это не только то, что можно увидеть на стенах галерей и музеев. Вся наша жизнь — искусство! И иногда так случается, что некоторые из современных фотографий выглядят точь-в-точь, как картины эпохи Возрождения. Если бы эти фотографии висели в какой-нибудь галерее, то вы бы точно не стали рассматривать их дважды, потому как у вас просто не возникло бы никаких подозрения, что это современные фото. Если бы современные вещи существовали в эпоху Возрождения, то картины художников тех лет выглядели бы именно так. Они драматичны, эмоциональны, с характерным освещением и полны людей в действии, ну в общем полный Ренессанс!
На тот случай, если вы вдруг забыли (или не знали), как выглядят картины эпохи Возрождения
Все характерные черты ренессансной живописи, за исключением мобильников
Так много всего происходит на этом фото, но отдельное внимание стоит уделить лицам его героев
Действительно жуткий образ диснеевского замка с драматическими молниями на фоне
Граф упал. Особую драматичность фотографии добавляют бегущие парни на фоне
[region:bone:inline_1]
«Возрождение» на музыкальном фестивале
Комики, ожидающие своего выхода на сцену
Мама у огня
Фотографии собаки в лесу, которая выглядит как картина
Драматические тени возле деревенского домика
[region:bone:inline_2]
Если бы художники прошлого побывали в ночном Вегасе, то сегодня у нас было бы на пару тысяч картин больше
Ну чем не «Сотворение Адама»?
Нам пришлось долго смотреть на это фото, чтобы убедиться, что это не картина
Курт Кобейн, который запросто мог бы стать героем картины Рембранта
Фото из Инстаграма, которое выглядит, как картина
[region:bone:inline_3]
Фотография, которую можно даже услышать
Если бы метро существовало в эпоху Возрождения, художники рисовали бы его именно так
Эмоции на этом фото настолько взрывные, что это похоже на картину
Невероятно выразительный тост
Мы не знаем, что происходит, на этом фото, но мы абсолютно уверены, что видели эту картину раньше
[region:bone:inline_2]
Урок бильярда
Так много эмоций! Так много людей!
Человек в драматической позе на лестнице
Фотография рыбаков, выглядящая точь-в-точь как живопись
[region:bone:inline_2]
Цвета, ракурс, эмоции.. Буквально всё на этом фото напоминает картину эпохи Возрождения
Мягкость этого фото и тени делают это фото действительно похожим на картину
Толпа зрителей после того, как бейсбольная бита улетела на трибуны
Фотография, напоминающая картины распятия Иисуса
Кто сказал, что героями картин эпохи Возрождения могут быть только люди?
Не пропустите также 25 раз, когда случайное искусство было лучше, чем намеренное.
Поделиться в соц. сетях
Скульптура эпохи Возрождения: описание и фото
Скульптура Возрождения прошла долгий и непростой путь от робких попыток Бенедетто Антелами внести в свои работы индивидуальность, характерность и нестандартность, до блестящих и безупречных работ «создателя Ватикана» Микеланджело Буонаротти.
Если в средние века скульптура была неразрывно связана с архитектурой и как отдельное искусство даже не рассматривалось, то с началом эпохи возрождения начинается медленный, но верный процесс отделения скульптуры, высвобождение его от зависимости от архитектурных задумок. Скульптуры постепенно «отодвигаются» от стен храмов, от рельефов и портиков, становясь самостоятельным, самодостаточным искусством.
Эпоха Возрождения делится на три периода, первый из которых берет свое начало еще в 13 веке, а последний заканчивает 16 век.
Творчество Бенедетто принадлежит романской эпохе. Однако в его работах (рельефы Пармского собора) уже угадывается стремление вырваться из тесных рамок канонического средневековья. Его скульптуры еще непропорциональны, просты, но в лицах можно разглядеть попытку передать интеллект, творческое начало и красоту человека.
Традицию подхватили скульпторы Пизано и ди Камбио. Их скульптуры — это не просто поиски новой эстетики, искания связаны с лучшими образцами античной древности, стремление вернуться к которым и породило революцию во взгляде на красоту.
Скульптуры Верроккьо и Донателло окончательно «оторвались» от стен и представляют собой самостоятельные произведения искусства.
Библейский Давид в исполнении учителя великого Леонардо (Андреа Верроккьо) — нескладный, угловатый подросток, изумленный своей собственной победой над великаном, гордо попирает ногой голову поверженного врага. На лице героя едва уловимая улыбка, а детские кудри и нарочито «героическая» поза вызывает умиление. Мастер изобразил юношу с непростым подростковым характером. Самоуверенного, бунтарского склада. Работа получилась реалистичной как по внешнему виду, так и по внутреннему содержанию. Здесь нет и тени средневекового пафоса, патетики. Здесь автор любуется обычным мальчиком, который оказался героем.
Именно Донателло первым создал обнаженную скульптуру Возрождения. До него ни один мастер не осмеливался так близко подойти к античным образцам, привнеся в них христианскую добродетель. Давид Донателло — также нескладен и несколько угловат. Пропорции тела трактуются достаточно мягко, герой лишен выраженной мускулатуры. Выбранная автором поза героя свободна, расслаблена. Это поза скорее греческого бога, нежели библейского персонажа. Известно, что для своего времени скульптура была настолько смела, что заказавшие ее Медичи предпочли установить ее во дворе своего дома, подальше от чужих глаз.
Стремительное развитие искусства, и скульптуры в частности, происходило на рубеже 15 и 16 веков, когда большое строительство развернулось в Риме, Флоренции, Венеции и других крупных городах Италии. Этот период, который носит гордое название «Высокого Возрождения», связан, в первую очередь, с именем Микеланджело.
Работы гениального мастера восхищали современников ничуть не меньше, чем современного зрителя. После того, как публика увидела скульптуру «Умирающий раб», в обществе поползли слухи, что был замучен натурщик, чтобы страдания можно было изобразить вернее.
Микеланджело прославился своими скульптурами, украшающими Ватикан, Рим, Флоренцию. Его работа «Пьета» — вершина мировой скульптуры, проявление гениальных способностей. Герои гения страдают, размышляют, ликуют. В них столько содержания, энергии и глубины, что любование великолепными работами гения не прекратится, вероятно, никогда. Подробнее с работами мастера можно ознакомиться здесь.
10 самых известных картин эпохи Возрождения
Период с 14 по 17 век в Европе обычно называют Ренессансом, и он ознаменовал возрождение или возрождение классической учености и мудрости. Волна возрождения затронула многие области европейской цивилизации, особенно области искусства, религии, литературы и политики. Возрождение ознаменовало возросшее понимание природы, возрождение обучения, которое присутствовало в средневековый период, но стало заметным в 15 и 16 веках.Искусство эпохи Возрождения — это представление индивидуального взгляда на человека. В период Возрождения были замечены славные работы многих легендарных художников, которые почитаются до сих пор.
Вот некоторые из самых важных и известных картин эпохи Возрождения.
- Мона Лиза:
Картина «Мона Лиза» Леонардо да Винчи — одна из самых известных и признанных картин в истории. Бесспорно, это самая обсуждаемая картина из-за загадочной улыбки.Было много дискуссий об улыбке Моны Лизы, независимо от того, улыбается она или нет. Главная особенность этой картины в том, что да Винчи нарисовал ее глаза таким образом, что даже когда вы меняете угол обзора, кажется, что глаза Моны Лизы всегда следят за вами. Картина написана маслом на дереве и в настоящее время находится в собственности правительства Франции. Мона Лиза выставлена в Лувре, Париж, и принадлежит публике, а это означает, что ее нельзя купить или продать.
- Primavera :
В переводе с итальянского это слово означает весна.Примавера — это картина Сандро Боттичелли, чье настоящее имя было Алессандро ди Мариано Филипепи. Картина также известна как «Аллегория весны». Считается, что Боттичелли создал это произведение искусства около 1482 года и считается одним из ярких образцов искусства эпохи Возрождения. Многие пытались интерпретировать картину, и многие придумали объяснения. Одни говорят, что это мифическая аллегория, другие — о смене сезона на весну. Эта картина популярна из-за использования цвета и различных объяснений.Примавера считается самой противоречивой картиной в мире.
- «Сотворение Адама». Автор Микеланджело Буонарроти:
Созданный в 1512 году, это одна из знаковых картин Микеланджело. Творением Адама является роспись на потолке Сикстинской капеллы. Несмотря на то, что это одна из самых тиражируемых картин всех времен, по популярности она уступает только Моне Лизе. Картина стала символом человечества, так как изображение изображает руки Бога и Адама на грани соприкосновения.
- Тайная вечеря:
«Тайная вечеря» считается лучшим произведением Леонардо да Винчи в 1498 году. Это важная картина эпохи Возрождения. Изображение показывает Иисуса с учениками на его последней вечере. Картина отличается умным использованием цвета, света и анатомии. Картина также является предметом множества дискуссий и домыслов. Многие предположили, что учеником, сидящим справа от Иисуса, является Мария Магдалина, и многие также задались вопросом о значении или значении V-образной формы между Иисусом и человеком справа.Несмотря на все домыслы, Тайная вечеря — один из шедевров Леонардо да Винчи.
- Афинская школа Рафаэля:
Написанная в 1511 году, она стоит среди четырех основных фресок на стенах Апостольского дворца в Ватикане. Четыре фрески символизируют философию, поэзию, богословие и право. Картина символизирует философию, потому что говорят, что картина представляет собой лучший период греческой философии, поскольку в центре картины можно найти Аристотеля и Платона.Эта картина прекрасно передала классический дух эпохи Возрождения.
- Поцелуй Иуды:
Написанная в 1306 году Джотто ди Бондоне, эта картина изображает момент предательства Иисуса Иудой Искариотом, который поцеловал Иисуса римским солдатам. Часовня Скровеньи является домом для цикла фресок Джотто ди Бондоне, а «Поцелуй Иуды» — самая известная картина в этом цикле. Многие критики считают, что Джотто — гений, и ни один художник не смог превзойти его работы.Его мастерство очевидно в том, как он запечатлел выражение лица Иисуса и Иуды в этой сцене предательства.
- Страшный суд:
Эта картина Микеланджело Буонарроти, выполненная в 1541 году, находится на алтарной стене Сикстинской капеллы в Ватикане. Картина рассказывает о втором пришествии Иисуса, о дне, когда Бог будет судить все человечество. Микеланджело изобразил Иисуса в центре в окружении святых. Верхняя часть картины показывает воскресение мертвых на небеса, а нижняя часть показывает сошествие грешников в ад.Использование цветов и превосходная манера письма делают эту картину самой почитаемой в мире.
- Сикстинская Мадонна:
Рафаэлло Санцио, широко известный как Рафаэль, написал Сикстинскую Мадонну в 1512 году. На картине изображена Мать Мария, держащая в руках младенца Иисуса, а также святые Варвара и святой Сикст по бокам и два херувима под ней. Это одно из самых известных произведений Рафаэля и важное полотно эпохи Возрождения.
- Успение Пресвятой Богородицы:
Главный алтарь в базилике Санта-Мария-Глориоза-деи-Фрари, где находится эта картина Тициано Вечеллио, также известного как Тициан.Эта картина была написана Тицианом в его ранние годы, и он использовал яркие цвета в этой картине. «Успение Богородицы» — картина о восхождении Богородицы на небо. Тициан изобразил Мать Марию в красном платье, которая вознесена на небеса туда, где Бог смотрит на Марию, в то время как апостолы прощаются с ней с земли.
- Рождение Венеры. Автор Сандро Боттичелли:
Созданная в 1485 году картина изображает богиню Венеру, прибывающую на остров Кипр.Она изображена чистой и зрелой женщиной, стоящей на ракушке. Боттичелли уделял большое внимание каждой детали Венеры. Эта картина была написана в тот период, когда на картинах изображалась нагота, что делает ее важной картиной эпохи Возрождения.
В списке представлены 10 самых важных картин эпохи Возрождения, на которых возвышались многие художники. Возрождение, без сомнения, было культурным и художественным возрождением в истории, и эти картины стали синонимами периода Возрождения.
(Источник изображения: Википедия)
Что Renaissance Pictures сделала для компьютерного телевидения
Его история приписана Рэйми и Сэму Хэммам (написавшим сценарии к фильму Тима Бертона о Бэтмене) в M.A.N.T.I.S. Карл Ламбли, который так мало используется, играет доктора Майлза Хокинса, ученого, страдающего параличом нижних конечностей, который создает экзоскелетный костюм со шлемом в форме богомола, который посылает сигналы его ногам. Система нейропередатчиков с механическим усилением позволяет Хокинсу снова ходить, а также увеличивает его физические возможности.Благодаря своей сети поддержки и, в духе другого персонажа из производства Renaissance Pictures, верного Oldsmobile (кроме этого, который умеет летать), доктор Хокинс борется с преступностью в вымышленном Оушен-Сити. Модель M.A.N.T.I.S. Телевизионный фильм «» был просмотром событий, когда я был ребенком. Я не помню сюжета, но никогда не забывала, что особенно наслаждалась тем, что в конечном итоге станет пилотом односезонного сериала. Было отмечено, что в эти первые два часа M.A.N.T.I.S. не делал расы своих персонажей случайными для их жизни; что он пытался добиться чувства аутентичности в изображении городской жизни чернокожих.Я могу себе представить, что из первых рук было мало опыта, но это все еще замечательная работа — даже с моей точки зрения, двумя африканскими студентами (в одежде коренных народов), которые работают в M.A.N.T.I.S. в качестве, которое, кажется, было вдохновлено помощью в очень колониальном фильме Ли Фалька «Призрак».
После пилотной стадии Renaissance Pictures не останется активным продюсером шоу. M.A.N.T.I.S. был переработан и добавлено больше белых второстепенных персонажей.В статье Грега Брэкстона для L.A. Times в 1994 году он цитирует тогдашнего руководителя телеканала Fox TV Боба Гринблатта, который сказал: «Мы хотели выявить в истории элемент фэнтези. Мы не хотели снимать эпизоды о состоянии человека каждую неделю ».
Среди M.A.N.T.I.S. В состав пилотного состава выбыла Джина Торрес, которая впоследствии стала персонажем Renaissance Pictures, а затем и Mutant Enemy. В той же статье L.A. Times она сказала: «Я чувствовала, что мы делаем что-то действительно уникальное в пилотном проекте, что-то новаторское […] высокие рейтинги пилота говорят мне, что формула работала.”
Время мифов и легенд
Через шесть месяцев после M.A.N.T.I.S. Пилот , первый из пяти телефильмов Hercules, транслируемых под лейблом «Action Pack» Universal Television. В этих фильмах, снятых компанией Renaissance Pictures, Кевин Сорбо сыграл сына Зевса, а Энтони Куинн — самого короля богов. Стоимость производства для телесериалов в то время была чрезвычайно разной. Геркулес: Легендарные путешествия «» был первым международным фильмом, в котором обширная дикая природа Новой Зеландии использовалась в качестве альтернативы западному фэнтезийному миру.Спецэффекты были хороши для девяностых, но, что важно, всегда было достаточно практических элементов (грим, костюмы), чтобы компенсировать ограниченную компьютерную графику.
Сцены драки были хорошо поставлены, и, в истинной моде Renaissance Pictures, использование камеры во время них было динамичным. Продюсеры шоу также полностью погрузились в греческую / римскую мифологию — это было очевидно из вступительного повествования первого фильма: « Это история давних времен — время мифов и легенд…» — рассказывается в благоговейный тон.
Начиная с «Геркулес и амазонки» и далее, через 111 эпизодов, сериал основывается на обширной, уже всеми любимой мифологии и вносит свой вклад в нее. Только в первых пяти фильмах Геракл встречает впечатляющие образы Гидры, Прометея, Аида и Минотавра. Многие из актеров, которые снимались в телевизионных фильмах, впоследствии стали главными героями сериала: Люси Лоулесс (будущая Зена) была среди амазонских женщин в первом телефильме. И Рене О’Коннор, и Роберт Требор (соответственно будущие Габриель и Салмониус) появляются в Геракл и Затерянное Королевство Только лучший друг Геракла Иолай, которого играет Майкл Херст, продолжает играть роль вспомогательного персонажа, статус и личность которого остаются жизненно важно, когда фильмы превращаются в сериалы.
Список самых популярных и известных картин эпохи Возрождения
Эпоха Возрождения была важным периодом европейской истории, считавшимся временем расцвета искусства, архитектуры, политики, науки и литературы, мысли и творчества. Эти семь популярных и знаменитых картин эпохи Возрождения представляют культуру покровительства и интереса к новым технологиям, означая, что красота старых стилей живописи сочеталась с современными темами, чтобы создать невероятное новое искусство.
«Возрождение» буквально означает «возрождение», и это действительно было время, когда человеческое искусство и интеллектуальные занятия пережили большое возрождение и прогресс.
Здесь представлены 7 самых известных картин того периода.
Вакх и Ариадна
Эта картина, созданная между 1522 и 1523 годами, принадлежит итальянскому венецианскому художнику Тициану.
Вакх и Ариадна считаются одними из его самых известных, поскольку он повествует об Ариадне. Она была дочерью царя Крита Меноса, оставленного на острове Тесеем, ее возлюбленным. Его корабль видно вдалеке, оставляя ее позади. Вакх, бог сбора винограда, обнаруживает ее.Он прибывает на колеснице, ведомой гепардами. Спрыгнув со своей колесницы, он пытается спасти ее от судьбы, оставшись в одиночестве на острове.
Вакх и Ариадна
Хотя сцена кажется хаотичной, на самом деле она разделена на две синих треугольных части действия.
Вакх изображен желающим Ариадну, они оба оказались в фокусе благодаря голубому небу позади. Их история заканчивается их браком, Вакх даровал Ариадне бессмертие.
Афинская школа
Афинская школа, еще одна известная картина Рафаэля, была написана между 1509 и 1511 годами.
Он воплощает в себе многие ключевые идеи теории Возрождения, поскольку объединяет в одном образе всех величайших ученых, философов и математиков античности. На изображении были идентифицированы Аристотель, Сократ, Платон, Да Винчи и другие.
На нем показано, как они делятся друг с другом и учатся формировать друг друга.
Хотя все они жили в разное время, Рафаэль собирает их вместе, чтобы прославить дух века. Он был заказан Папой Юлием II и в настоящее время находится в Ватикане.
Коронация Богородицы
Выставленная в галерее Уффици во Флоренции картина «Коронация Богородицы» была написана в 1432 году Фра Анджелико.
Фра Анджелико был братом-доминиканцем, и сюжет картины является обычным предметом христианского искусства. Это связано с общим ростом преданности Марии в этот период.
коронация девственницы
Христос возлагает богато украшенную золотую корону на склоненную голову Богородицы. Свет олицетворяет ее божественность, и ее видят важные божественные фигуры.
Ginevra de ‘Benci
Картина Gienvra de’ Benci, написанная Леонардо да Винчи, была написана в ознаменование свадьбы объекта с Луиджи ди Бернарсо Никколини в 1474 году.
Это одна из знаменитых картин эпохи Возрождения, а также одна из несколько картин да Винчи, выставленных в Соединенных Штатах для всеобщего обозрения. На обратной стороне портрета есть текст на латыни, который переводится как «Красота украшает добродетель».
Джиневра была героем поэзии и искусства, так как она славилась своей красотой.
Ginevra de ’Benci
Имя можжевельника наводит на мысль о ее названии, и все изображения работают в гармонии, поддерживая идентификацию изображения.
Мона Лиза
Еще одна картина да Винчи, Мона Лиза — одна из самых известных картин эпохи Возрождения и наиболее воспроизводимых изображений, когда-либо созданных. Он был написан около 1504 года и считается одним из самых известных и ценных шедевров, созданных всеми.
Женщина на картине — Лиза Герардини, чей муж Франческо Дель Джокондо заказал работу.Почему картина Моны Лизы так известна?
Картина Monalisa
Цвета довольно приглушены, и сильно используется техника sfumato , в которой к изображению применяются хорошо смешанные переходные градиенты цвета. Ее загадочная улыбка и загадочное выражение лица добавили интриги и интереса к этому произведению искусства.
Название картины переводится примерно как «Миледи Лиза», вежливая форма обращения. Его можно увидеть сегодня в Лувре в Париже.
Свадьба в Кане
Одна из многих причин, по которым мы создаем искусство , — это изображение церемонии или ритуала. «Свадьба в Кане» — это картина Паоло Веронезе, написанная примерно в 1563 году. На ней изображена библейская история свадебного пира в Кане, сверхъестественная, чудесная история из Нового Завета христианской библии.
Именно на этом свадебном торжестве Иисус творит чудо; когда вино на исходе, Иисус велит своим ученикам принести ему воды, которую он затем превращает в вино.На картине изображена греко-римская архитектура, окружение дорических и коринфских колонн в открытом дворе.
что такое искусство
На переднем плане музыканты играют на инструментах эпохи Возрождения, создавая в картине смесь современных и классических или исторических деталей.
Иисус и его мать Мария изображены с нимбами. Это роскошная картина с множеством цветов и величественной архитектурой. Из множества картин эпохи Возрождения это грандиозное произведение искусства обязательно нужно увидеть на стенах Лувра в Париже.
Свадьба Девы
Еще одна известная картина эпохи Возрождения в списке, «Свадьба Девы», написанная Рафаэлем.
Первоначально он назывался «Lo Sposalizio» и был построен в 1504 году для церкви францисканского ордена Читта-ди-Кастелло. На нем изображена церемония бракосочетания между Марией, матерью Иисуса, и Иосифом.
Это было одно из трех поручений учителя Рафаэля, Пьетро Перуджино, которые Рафаэль выполнил в его отсутствие.Теперь его можно посмотреть в Пинакотеке Брера.
В период Возрождения появилось много великих произведений искусства. Излияние интереса к этим занятиям сделало эпоху Возрождения особенно увлекательным периодом человеческой истории, в частности, живопись эпохи Возрождения заинтересована в переосмыслении искусства классической истории. Эти картины воплощают этот дух, делая их 7 самыми известными в свое время.
Amazon.com: Wall Art Renaissance Pictures Women Portraits Canvas Oil Painting Posters and Prints for Living Room Home Decor 40x60cm No Frame: Posters & Prints
Canvas Wall Art — это элегантный декоративный способ подчеркнуть ваш неповторимый художественный вкус.
Картины на холсте и картины на холсте — это современный способ украсить стены вашего дома и расслабить вас после работы.
Будь то взрыв цвета или привлекательное черно-белое изображение, придаст вашему дому или комнате современное центральное место, которое гарантированно привлечет внимание.
Картина на холсте:
— Это современный декоративный способ подчеркнуть ваш неповторимый художественный вкус.
— Потрясающие украшения для дома, заслужившие комплименты от ваших гостей.
— Современные настенные росписи для любого помещения, чтобы убрать скучную заготовку.
— Расслабление и вдохновение для вашей семьи каждый день.
Ваше удовлетворение — наша главная забота!
Обратите внимание: ：
1) Они не были сняты в реальных выставочных залах и не отражают реальный размер комплекта для печати.
2) Это просто идея, чтобы помочь вам понять, как этот художественный принт на холсте выглядит в вашей комнате.
3) Каждый отпечаток на холсте имеет дополнительный белый край на 5 см с 4 сторон, который можно использовать для самостоятельной растяжки на раме.
Сфера применения: Домашний декор, Декор спальни, Декор гостиной, Декор столовой, Декор ванной комнаты, Декор кухни, Декор гостиной, Декор комнаты для чтения, Декор офиса, Декор кабинета, Декор туалета, Детская комната для мальчика и девочки Декор, Декор Классной Комнаты, Декор Общежития, Декор Отеля, Декор Стен Баров, Свадебное мероприятие, Подарок на День Матери, Подарок на День Рождения, Рождественский подарок.
Стили: современный, скандинавский, абстрактный, бэнкси, бохо, деревенский, скандинавский, минималистский, вдохновляющий, мотивационный, геометрический, эстетический, модный, мужской, женский, женский, детский и многие другие категории.
Мы считаем, что ваши стены не должны быть скучными, что ваш дом должен быть пространством, рассказывающим историю. Позвольте нам помочь вам преобразовать ваше пространство.
Итальянский Высокий Ренессанс Высокий Величайшие картины эпохи Возрождения Это наша подборка лучших примеров Леонардо да Винчи (1452-1519) Филиппино Липпи (1457-1504) Пьеро ди Козимо (1461-1521) Микеланджело (1475-1564) Джорджоне (1477-1510) Тициан (ок. 1477-1576) Рафаэль (1483-1520) Андреа дель Сарто (1486-1530) Антонио Аллегри да Корреджо (1489-1534) Французский ренессанс Живопись во Франции была сильнее привязана Лимбургские братья — Пол, Ян, Герман Жан Фуке (1420-81) Нидерландский В Голландии и Фландрии влажный климат Величайшие картины голландцев Вот некоторые из самых влиятельных картин Роберт Кампен: Мастер Флемалле Ян ван Эйк (1390-1441) Роджер ван дер Вейден (1400-1464) Петрус Христос (ок.1410-75) Дьерек Баутс (1415-75) Ганс Мемлинг (ок. 1433-94) Хуго Ван Дер Гус (1440–1482) Иероним Босх (1450-1516) Иоахим Патинир (Патенье) (1485-1524) Ян Ван Скорель (1495-1562) Питер Брейгель Старший (ок.1525-1569) Немецкий ренессанс Если в основе итальянского искусства 15 века Величайшие немецкие картины эпохи Возрождения Вот наша подборка самых важных Стефан Лохнер (1400-51) Михаэль Пахер (1434-98) Мартин Шонгауэр (1440-91) Альбрехт Дюрер (1471-1528) Лукас Кранах Старший (1472-1553) Маттиас Грюневальд (1475-1528) Альбрехт Альтдорфер (1480-1538) Hans Baldung Grien (1484-1545) Ганс Гольбейн Младший (1497-1543) Картины маньеристов Маньеризм был Величайшие маньеристы Картинки Вот наш выбор самых влиятельных Якопо Понтормо (1494-1556) Тинторетто (Якопо Робусти) (1518-1594) Пармиджанино (1503-40) Аньоло Бронзино (1503-72) Джорджо Вазари (1511-1574) Якопо Бассано (1515-1592) Джузеппе Арчимбольдо (1527-93) Паоло Веронезе (Паоло Калиари) (1528-88) Эль Греко (Доменикос Теотокопулос) Spranger Bartholomaeus (1546-1611) Адам Эльсхаймер (1578-1610) |
Приложение, которое превращает ваши фотографии в картины эпохи Возрождения, стало настолько популярным, что разбилось
Если вы когда-нибудь хотели увидеть, как вы могли бы выглядеть глазами Рембрандта или Рафаэля, вот ваш шанс.
Через неделю после всплеска интереса к российскому фото-приложению FaceApp, когда наши новостные ленты пополнились старыми версиями наших друзей, новое приложение для преобразования лица привлекает внимание.
Приложение под названием AI Portraits использует искусственный интеллект, чтобы изменить фотографию любого человека так, чтобы она напоминала старую картину, с особым акцентом на портретную живопись 15-го века.
Возможно, он не сломал Интернет, но он перерастает свой домен: в среду веб-сайт не работал в течение нескольких часов.
«Из-за огромной популярности сайта мы в настоящее время закрыты на техническое обслуживание», — говорится в сообщении на сайте.
Если вы когда-нибудь хотели увидеть актера Джейсона Момоа глазами классического художника, AI Portrait может сделать это за вас. Предоставлено: Getty Images / AI Portrait AR
Превратите свое лицо в искусство
AI Portraits использует данные из десятков тысяч картин, от эпохи Возрождения до современной эпохи.
Разработанный исследователями из лаборатории искусственного интеллекта Watson MIT-IBM, AI Portraits использует противоборствующие нейронные сети для создания генератора, который «смотрит на примеры и пытается имитировать их», согласно MIT Technology Review.
В данном случае сравниваются фотографии с 45 000 картин в программе старых мастеров, таких как Тициан и Рембрандт.
Технология также создает «дискриминатор», который определяет, является ли данный пример поддельным.
Алгоритм этого типа может использоваться для различных целей, например для обнаружения дипфейков, фальшивых видеороликов, которые выглядят как настоящие записи реальных людей.
У программы действительно есть основное слепое пятно, говорится в MIT Technology Review: поскольку улыбка была редкостью на портретах эпохи Возрождения, ИИ с трудом демонстрирует ваше ликование, если вы вставляете улыбающееся селфи.
Шедевр Караваджо продан таинственному покупателю перед аукционом
Проблемы конфиденциальности
AI Portraits работает иначе, чем FaceApp, который вызывал скептицизм в отношении его политики конфиденциальности и того, что он был разработан в России. Политика конфиденциальности
AI гласит: «Ваше изображение будет отправлено на сервер IBM в США, обработано IBM с единственной целью создания портрета в стиле эпохи Возрождения на основе информации о пикселях из загруженного изображения, а затем будет немедленно удалено.»
Все технологические компании серьезно озабочены тем, как они обрабатывают пользовательские данные, и в момент его известности внимание орла обратилось к FaceApp.
У него было соглашение о конфиденциальности, которое, казалось, позволяло ему делать практически все, что угодно. с фотографиями, загруженными пользователями.
Но в заявлении для TechCrunch компания заявила, что «большинство изображений удаляются с наших серверов в течение 48 часов с даты загрузки». FaceApp также отметил, что 99% его пользователей не вошли в систему в приложение, чтобы их фотографии не могли быть связаны с их личными данными и чтобы их данные не передавались в Россию.
FaceApp и AI Portraits — не единственные приложения для преобразования фотографий, привлекающие внимание.
В прошлом году Google выпустил функцию в своем приложении Arts & Culture, которая использовала алгоритм сопоставления для анализа лиц людей и поиска двойников из истории искусства.
Знак Бабинского на картинах эпохи Возрождения — переоценка феномена пальца ноги в изображениях Младенца Христа: анализ наблюдений
О наличии знака Бабинского уже сообщалось на некоторых картинах эпохи Возрождения, а первые наблюдения датируются началом 20 век.23 Совсем недавно в нескольких статьях были отмечены картины Боттичелли, содержащие знак Бабинского.789 Однако о некоторых других рисунках с феноменом пальца ноги почти не писали, 810 и до сих пор не проводилось систематического изучения знака Бабинского на картинах Христа. Сообщается о ребенке эпохи Возрождения (1400-1550 гг. Н. Э.). Мы провели такое исследование, используя конкретный и строгий метод, и обнаружили, что 30% (90/302) корпуса картин изображали знак Бабинского, а стимулирующий фактор — в 53% (48/90) случаев.
Возможные объяснения
Эта частота в основном является результатом художественной революции 15 века. В средние века, пытаясь изобразить Иисуса Христа, художники часто изображали его в виде маленького человека с ростом ребенка, но телом и лицом взрослого. Несмотря на то, что такой способ изображения Младенца Христа все еще используется в некоторых православных традициях, его можно рассматривать как несоответствие, как подчеркивает Гюисманс: «Чтобы сделать невыразимое детство Бога (…) они создали гибридное существо, которое является уже не ребенок, а кто не бог, какое-то чудовище.11 В эпоху Возрождения художники начали изображать наготу Младенца Христа, чтобы продемонстрировать воплощение Христа, который впоследствии был изображен в очень реалистичной форме. Историки современного искусства утверждают, что образ Христа с откровенным половым акцентом был подтверждением родства с человеческими условиями.12
Вследствие растущего стремления к реализму большинство художников эпохи Возрождения больше не изображали Младенца Христа как маленького человека, а как настоящий младенец. Если бы у них были живые младенцы в качестве моделей, они с большей вероятностью непроизвольно воспроизводили бы знак Бабинского.Этот реализм был не просто следствием революции итальянского Возрождения, поскольку он в большей степени является отличительной чертой фламандских и рейнских художников (особенно ван дер Вейдена, Мемлинга, Шонгауэра и Грюневальда), известных своей склонностью писать точные, иногда тривиальные. реалистичные детали из повседневной жизни. Эта тенденция к реалистичным изображениям также проявляется в том факте, что на этих картинах младенцы, одежда и общее окружение принадлежат западному миру, современному художникам, и не являются репрезентативными для Ближнего Востока в первом веке нашей эры.Эта тенденция также может объяснить частое воспроизведение художниками знака Бабинского, как только изображение наготы младенца стало приемлемым, примеры которого приведены на рис. 2 (A-C и E). Напротив, итальянские художники, как правило, изображали идеализированные человеческие тела в поисках совершенной красоты, как это видно на моделях античности. Поэтому некоторые художники, такие как Фра Анджелико, Мазаччо или Тициано, не смогли воспроизвести знак Бабинского на картинах с изображением Младенца Христа.
Стимулирующая атмосфера эпохи Возрождения и необходимость научного подхода и точного наблюдения за живыми младенцами для улучшения сходства были предложены в качестве возможного объяснения изображения знака Бабинского на картинах Младенца Христа.Особое влияние Возрождения привело к точному изображению природных явлений, особенно в живописи. Боттичелли был примером этого нового направления; 40% (12/30) его картин в этом исследовании изображают знак Бабинского. Тем не менее, многие великие художники, такие как Рафаэль, которые, как известно, хорошо разбираются в деталях своих предметов, почти никогда не изображали Младенца Христа с поднятым пальцем ноги. Многие художники эпохи Возрождения знали медицинские и анатомические реалии; Неврологические аномалии, такие как локтевая коготь или дистония лица, появляются на картинах эпохи Возрождения 1314 года, и некоторые художники, такие как Микеланджело и да Винчи, проводили анатомические вскрытия.Однако это стремление к анатомическим знаниям, похоже, не было определяющим фактором для изображения знака Бабинского в живописи; да Винчи, который был анатомом и внес вклад в изучение нервной системы 15, изобразил знак Бабинского только в 22% (2/9) своих картин с изображением Младенца Христа. Точно так же ни одна картина Тициано не изображает феномен пальца ноги. Однако Тициано со своим учеником Яном ван Калькаром (1499-1545), безусловно, участвовал в иллюстрациях к анатомическому шедевру De Corporis Fabrica Андреаса Везалия (1514-64).16
Чтобы объяснить около 30% картин с изображением знака Бабинского в нашем исследовании, можно обсудить два других механизма: «эффект мастера-ученика» и эффект копирования. В нашем корпусе можно было заподозрить эффект магистра-ученика в отношении Леонардо да Винчи и его учителя Андреа дель Веррочио. Интересно отметить, что три картины с изображением Младенца Христа с двусторонним знаком Бабинского были созданы Андреа дель Веррочио ( Мадонна с двумя ангелами, , c1470) (рис. 2, D) и Леонардо да Винчи (Мадонна ). Гвоздики , 1479 и Мадонны Бенуа , 1480).Эта гипотеза художественного происхождения подтверждается двусторонним знаком Бабинского, который недавно был замечен на скульптуре, приписываемой да Винчи ( Дева с смеющимся младенцем, ) 17.
Практика копирования произведений искусства была частой в эпоху Возрождения, особенно для картин Богородицы и Младенца Христа. Картина Святой Лука, рисующая Богородицу , которой существует множество копий, является ярким примером этого.18 Однако примеры серийных картин, такие как Мадонна с младенцем и молочным супом Жерара Давида, которая была воспроизведена в как минимум три версии, встречаются редко.Знак Бабинского отсутствует в версии этой картины, выставленной в Палаццо Бьянко в Генуе, тогда как он присутствует в двух других версиях. Кранах Старший часто создавал серийные картины Мадонны с младенцем, каждый раз воспроизводя знак Бабинского, но это явление не может объяснить появление знака на других картинах того же художника, например, «Богоматерь с младенцем и гроздью винограда». (рис. 2, Е).
Альтернативная гипотеза состоит в том, что тыльное сгибание пальцев ног у некоторых младенцев Боттичелли или Кранаха является стилистическим выбором маньеристов, о чем также свидетельствует формализованное расположение пальцев.9 Однако это не может быть правильным объяснением, поскольку маньеризм — это художественный стиль, возникший только в последние годы итальянского Высокого Возрождения (около 1520 г.), нарушивший все коды анатомической точности, пропорции и баланса19. отсутствует на картинах фламандских художников, таких как Рогир ван дер Вейден или Жерар Давид, или рейнских художников, таких как Мартин Шонгауэр, который часто изображал знак Бабинского. Примеры работ этих художников, содержащих знак Бабинского, представлены на рис. 2 (A, B и C).
Опубликованы многочисленные исследования подошвенного рефлекса у младенцев. Иногда они сообщали о противоречивых данных о реакции на сгибание или разгибание (признак Бабинского) этого рефлекса. Одной из причин таких неоднородных результатов может быть нарушение хватательного рефлекса пальцев стопы, который обычно присутствует в течение первого года жизни. Принимая во внимание хватательный рефлекс, физиологическим ответом подошвенного рефлекса до 6-месячного возраста является удлинение большого пальца стопы. Основным фактором, вызывающим расширение большого пальца стопы у младенцев, по-видимому, является интенсивность стимула.420 В нашем теле мы наблюдали стимуляцию стопы в 53% (48/90) картин. Очевидно, мы не могли оценить интенсивность этого стимула. Тем не менее, как уже отмечалось, в некоторых случаях стимул применялся непосредственно к боковой части подошвы, участку, который, как известно, вызывает знак Бабинского.